RAFAEL SANZIO
Pintor
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de
1483 – Roma, 6 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o,
simplemente, como Rafael1 n. 1 fue un pintor y arquitecto italiano del Alto
Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada
durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como
inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los
vestigios grecorromanos.
Hijo de un pintor de modesta relevancia,
fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano
se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo
su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde
pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerada una de sus obras
cumbre.4 5 6 Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales,
destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.7 Junto con Miguel Ángel y
Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta
misma festividad el día que cumplía 37 años.n. 2 Fue un artista muy productivo,
en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos
colaboradores,9 y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en
gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los
Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las
Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar
a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.
Después de sus años de juventud en Roma,
gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por
su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en
su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la
producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después
de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó
hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de
Rafael fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.
Su carrera se dividió de manera natural
en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros
años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508),
donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último
y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas.
LA ESCUELA DE ATENAS
Pintura
La escuela de Atenas es una de las
pinturas más destacadas del artista Rafael Sanzio.1 Fue hecha en boceto entre
1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar
con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de
Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano. La Stanza
della Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la
segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento.
La pintura
Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00
m. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la filosofía a
través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos
clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie.
Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los
muros laterales sobresalientes.
Debido a que estaría ubicada sobre la
sección de filosofía del papa Julio II, La escuela de Atenas muestra a los
filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los
filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas
termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea.
Esta arquitectura recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado
por Bramante. Platón y Aristóteles, que durante toda la Edad Media estuvieron
considerados como los principales representantes de la filosofía antigua,2 se
encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón
está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a
Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se
corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo,
simbolizando el idealismo dualista racionalista que es su pensamiento mientras
que Aristóteles la tierra, haciendo referencia a su realismo sustancial
racional teleológico.
En otros personajes se ha identificado a
distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de
una escalinata. A la izquierda puede reconocerse la figura de perfil de
Sócrates.
A la izquierda, se encuentra un gran
bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola
de Pedro; simboliza a Cristo, la "piedra angular". El hombre ubicado
sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. Este personaje no
estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca
Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el
rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las
características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor
florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos. En 1510,
Rafael vio el trabajo de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, tras
esto lo agregó en su pintura como señal de respeto hacia el artista. Al tiempo,
esta figura evita un gran vacío en esa parte del fresco.
El autorretrato de Rafael está ubicado a
la derecha del cuadro, el joven de cabello marrón que observa al espectador,
tocando con un sombrero redondo de color azul; a su lado, Perugino con idéntico
sombrero pero en blanco. A la izquierda de la pintura se encuentra Hipatia de
Alejandría (pintada como Margherita Luti o Francesco Maria I della Rovere),
vestida en blanco, y observando al espectador.
Los filósofos
La identidad de algunos de los filósofos
dentro de la pintura, como Platón o Aristóteles, está clara, pero algunos
estudiosos no coinciden con las de otros. Son identificados generalmente como:
Zenón de Citio o Zenón de Elea
- Epicuro
- ederico II Gonzaga
- Boecio o Anaximandro o Empédocles
- Averroes
- Pitágoras
- Alcibíades o Alejandro Magno
- Antístenes o Jenofonte
- Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere)
- Esquines o Jenofonte
- Parménides
- Sócrates
- Heráclito (pintado como Miguel Ángel)
- Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci)
- Aristóteles sosteniendo la Ética
- Diógenes de Sinope
- Plotino
- Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante)
- Estrabón o Zoroastro
- Claudio Ptolomeo – R: Apeles como Rafael
- Protógenes como El Sodoma.
Reproducciones
Una reproducción del fresco puede ser
vista en el auditorio de Old Cabell Hall en la Universidad de Virginia. Fue
producida en 1900 por George W. Breck para reemplazar una antigua reproducción
que fue destruida por un incendio en 1895, tiene una diferencia de cuatro
pulgadas con la original, ya que los Museos Vaticanos no permiten
reproducciones idénticas de sus obras de arte.
Otra reproducción, obra de Emil Neide, está en la catedral de
Königsberg, Kaliningrado.
El grupo musical de Hard Rock Guns N'
Roses utilizó la pintura en 1991 para sus discos Use Your Illusion I y Use Your
Illusion II. Las dos figuras al lado izquierdo de Plotino (figura 17), fueron
extraídas por el artista Mark Kostabi.
Galería
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Ubicación: Estancias de Rafael
Período: Alto Renacimiento
Tema: Antigua Grecia
Género: Pintura de historia
Técnica: Pintura, Yeso
LA TRANSFIGURACIÓN
Pintura
La Transfiguración (en italiano, La
trasfigurazione), es una pintura del artista renacentista italiano Rafael
Sanzio, que fue realizada circa 1517-1520, dentro del periodo romano del
artista. Esta obra está considerada su última pintura, que dejó inacabada y que
se cree fue completada por su alumno Giulio Romano poco después de la muerte de
Rafael en 1520. Es una pintura al óleo sobre tabla, de 405 centímetros de alto
y 278 cm de ancho. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana (Museos Vaticanos),
Ciudad del Vaticano.
Historia
La obra fue un encargo del cardenal Julio
de Médicis en 1516 para la catedral titular de San Justo en Narbona, Francia,
sede obispal del comitente. Al artista italiano Sebastiano del Piombo se le
encargó, al mismo tiempo, la pintura de La resurrección de Lázaro para la
catedral (actualmente en la National Gallery de Londres).
Después de la muerte prematura de Rafael
en 1520, el cardenal retuvo la pintura en lugar de enviarla a Francia.
Posteriormente la donó a la iglesia de San Pietro in Montorio, Roma. Fue robada
por las tropas francesas y llevada a París en 1797, pero después de 1815 fue
devuelta al Vaticano, donde se encuentra actualmente.
Una notable copia al óleo, realizada por
Gianfrancesco Penni, discípulo de Rafael, se conserva en el Museo del Prado de
Madrid. Es de formato casi idéntico, pero difiere en algunos detalles y
presenta una iluminación menos contrastada.
Una copia en mosaico de la misma pintura
se instaló en la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano en 1767. La restauración ha devuelto a los colores su
máxima expresividad.
Análisis
Constituye un resumen de toda la
evolución artística de Rafael. Inicialmente, la Transfiguración se había
pensado de modo distinto: la primera idea era representar una teofanía
(aparición de Dios), pero influido por Sebastiano del Piombo divide la escena,
adoptando una composición original. Las dos partes, bien distintas, en las que
se divide, narran episodios sucesivos del Evangelio de Mateo: capítulo 17,
versículos 1 a 13. La parte superior de la pintura muestra la transfiguración
de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando entre nubes
suavemente iluminadas, situado entre los profetas Moisés y Elías con quienes
está conversando, según el relato del evangelista Mateo. Debajo de él hay tres
discípulos, en tierra, asustados (Pedro, Santiago y Juan).
En la parte inferior, Rafael representa a
los Apóstoles intentando, sin éxito, liberar a un niño poseído de los demonios
o epiléptico. Son incapaces de curar al niño enfermo hasta la llegada de
Jesucristo, recientemente transfigurado, quien lleva a cabo el milagro.
La Transfiguración de Rafael constituye
el comienzo de una nueva era, prefigurando el manierismo, como se evidencia en
las posturas estilizadas y retorcidas de la parte inferior; pero también
anticipa el arte barroco, como se evidencia en la tensión dramática de la que
están imbuidas tales figuras, así como en el fuerte uso del claroscuro.
En el nivel más simple, la pintura puede
interpretarse como representación de una dicotomía: arriba, el poder redentor
de Cristo, abajo, las debilidades de los hombres. La zona celestial de Cristo
redentor se caracteriza por la pureza y la simetría, con figuras menos táctiles
y tratadas con colores más claros. En cambio, la zona inferior es una escena
oscura, caótica, en la que hay fuertes contrastes cromáticos.
Ambas partes, sin embargo, mantienen
cierta relación gracias sobre todo a la pared rocosa en sombras. También hay
figuras en la parte inferior que apuntan a la superior, con claras diagonales
que llevan la mirada hacia arriba.
El filósofo Nietzsche interpretó la
pintura en su libro El nacimiento de la tragedia como una imagen del conflicto
entre los princios apolíneos y dionisíacos.
El pintor y escultor del siglo XVI,
Giorgio Vasari, escribió en su obra Vida de los mejores arquitectos, pintores y
escultores italianos que la Transfiguración fue la obra «más bella y más
divina» de Rafael.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Ubicación: Museos Vaticanos
Tema: Transfiguración de Jesús
Fecha de creación: 1516–1520
Período: Alto Renacimiento
Género: Arte cristiano
MADONNA SIXTINA
Cuadro
La Madonna Sixtina es un cuadro del
artista renacentista italiano Rafael pintado aproximadamente entre 1513 y 1514.
Se conserva en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde (Alemania).
Historia
Se cree que el cuadro fue pensado para
decorar la tumba del Papa Julio II, pues San Sixto era el Santo Patrón de la
familia Della Rovere y Sta. Bárbara y los dos ángeles (en la parte inferior del
lienzo) simbolizan la ceremonia del funeral.
El óleo estuvo en el convento de S. Sixto
en Piacenza hasta que fue vendido en 1753 por los monjes a Augusto III de
Polonia, quien pagó por él 25.000 escudos romanos. Desde 1754 se encuentra en
la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde (Alemania). Tras la Segunda Guerra
Mundial fue trasladado a Moscú, pero posteriormente fue devuelto a Dresde.
Análisis
El lienzo de la Virgen, el Niño Jesús,
San Sixto y Santa Bárbara se caracteriza por el espacio imaginario creado por
las propias figuras, que están de pie sobre una cama de nubes, circundadas por
un gran telón abierto. La figura de la Virgen transmite la sensación de estar
descendiendo del espacio celestial hacia el mundo real, en el que el cuadro
está colgado. El gesto de S. Sixto y la mirada de Santa Bárbara parecen
dirigirse a alguien que está detrás de la balaustrada en la parte inferior del
cuadro (quizás un creyente). La tiara papal, posada sobre dicha balaustrada,
sería el nexo de unión entre el espacio pictórico y lo real.
Generaciones de visitantes a la
Gemäldegalerie de Dresde han quedado profundamente impresionados por la forma
en la que Rafael representó a la Virgen en esta pintura. Se ha reproducido
numerosas veces, hasta el punto de que esta Madonna de San Sixto es un
prototipo, la imagen idealizada de la Virgen María, acentuando su carácter
espiritual. Por lo demás, el detalle de los pequeños ángeles que están sobre la
balaustrada, conocidos como Angelitos, ha sido reproducido y versionado en
numerosas ocasiones.
La Virgen aparece desde detrás de una
cortina, confiada y aun así dubitativa. La cortina proporciona la ilusión de
ocultar su figura de los ojos del espectador y al mismo tiempo de ser capaz de
proteger la pintura de Rafael.
El nombre de San Sixto proviene de la
palabra latina que significa «seis» o «sexto», y hay seis figuras en el lienzo.
En este cuadro, Rafael, a través de un
proceso de depuración iconográfica que libera el cuadro de elementos
accesorios, representa no la visión de lo divino por parte de los devotos, sino
lo divino que aparece y se dirige a los devotos, aquí no representados sino
claramente perceptibles, a través de los gestos y las miradas del grupo sagrado
al contemplar la tienda y la balaustrada que sirven de punto de contacto entre
lo celeste y lo humano.
Se atribuye a Correggio la exclamación
«¡Yo también soy pintor!» cuando vio esta pintura.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Género: Arte cristiano
Fecha de creación: 1512
Períodos: Renacimiento italiano, Alto
Renacimiento, Renacimiento
Tema: María, Niño Jesús, Madonna
Técnica: Pintura, Pintura al aceite,
Cañamazo
LA FORNARINA
Pintura
Retrato de una joven, en italiano
Ritratto di giovane donna, es una pintura del artista renacentista italiano
Rafael Sanzio, pintado en los años 1518-1519.
Retrato de una joven (La Fornarina), en
italiano Ritratto di giovane donna (La Fornarina), es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, pintado en los años 1518-1519. Es una
pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 85 centímetros de alto y 60
cm de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte Antiguo en el Palacio
Barberini de Roma, Italia.
Es probable que la pintura estuviera en
el estudio del pintor en el momento de su muerte en 1520, y que fuese
modificada y luego vendida por su ayudante Giulio Romano[1]. En el siglo XVI
este retrato estuvo en la casa de la Condesa de Santafiora, una noble romana, y
en consecuencia pasó a ser propiedad del Duque Boncompagni y luego a la Galería
Nacional, que aún la posee.
Tradicionalmente se ha considerado que se
retrata aquí a la amante semilegendaria de Rafael, que también se encuentra en
el cuadro conocido como La Donna velata, conservado en Florencia en el Palazzo
Pitti. La mujer fue identificada durante el siglo XIX con la fornarina
(panadera) Margherita Luti, hija del panadero Francesco Luti da Siena.
Sin embargo, es probable que el verdadero
sentido de la obra aún esté por aclarar. La mujer es representada con un
sombrero de estilo oriental y los pechos desnudos. Hace el gesto de cubrir su
pecho izquierdo, o volverlo con su mano, y está iluminada por una fuerte luz
artificial que viene del exterior. Su brazo izquierdo tiene una estrecha banda
que lleva la firma del artista, RAPHAEL URBINAS. Los historiadores del arte y
eruditos debaten si la mano derecha sobre el pecho izquierdo revela un tumor de
cáncer de mama detallado y disfrazado en una clásica pose de amor [2]. La
mirada, particularmente fija, de la joven, contribuye igualmente a la
artificialidad de toda la composición.
Análisis con rayos X han mostrado que en
el fondo originalmente había un paisaje de estilo leonardesco con arbusto de
mirto, que estaba consagrado a Venus en la mitología clásica, diosa del amor y
la pasión.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Tamaño: 85 cm x 60 cm
Ubicación: Galería Nacional de Arte
Antiguo
Fecha de creación: 1518–1520
Período: Alto Renacimiento
Técnica: Madera, Pintura al aceite
LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN
Cuadro
Los Desposorios de la Virgen es un cuadro
del pintor renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1504. Es una
pintura ejecutada con temple y óleo sobre tabla con unas dimensiones de 175
centímetros de alto y 120 cm. de ancho.
Los Desposorios de la Virgen (en
italiano, Lo sposalizio della Vergine) es un cuadro del pintor renacentista
italiano Rafael Sanzio, que data de 1504. Es una pintura ejecutada con temple y
óleo sobre tabla con unas dimensiones de 175 centímetros de alto y 120 cm. de
ancho. Se conserva en la Pinacoteca de Brera de Milán, Italia. Esta tabla
representa la transición del Prerrenacimiento al Alto Renacimiento
Historia
Es una obra especialmente estimada por
Rafael, uno de los indiscutibles favoritos del Renacimiento. En ella, Rafael
pasa de ser un altamente dotado pero fiel seguidor de Perugino en el estilo
local umbro, a un artista que representa el epítome del Renacimiento. Esta
pintura fue ejecutada inmediatamente antes del viaje de Rafael a Florencia
donde conoció de primera mano la escultura de Donatello así como el arte de sus
más famosos contemporáneos, mayores que él, Leonardo da Vinci y Michelangelo.
La tabla (firmada y datada: RAPHAEL
URBINAS MDIIII) fue un encargo de la familia Albizzini para la capilla de san
José en la iglesia de San Francisco de los Minoritas en Città di Castello, en
Umbría. Al pintar su nombre y la fecha, 1504, en el friso del templo que queda
en la distancia, Rafael abandonó el anonimato, y con confianza se anunció a sí
mismo como el creador de la obra. En 1798 la ciudad se vio forzada a donar la
pintura al General Lechi, un oficial del ejército napoleónico, quien a su vez
lo vendió al marchante milanés, Sannazzari. Sannazzari lo legó al principal
hospital de Milán en 1804. Dos años más tarde, fue adquirido por la Academia de
Bellas Artes y fue entonces exhibido en Brera.
En 1958 fue objeto de un ataque
vandálico. Los graves desperfectos causados se trataron en la restauración de
Mauro Pellicioli.
Análisis
Es un cuadro hecho a imitación de una
tabla con el mismo tema y año de El Perugino, maestro de Rafael, que
actualmente se encuentra en el Museo de Caen -Los desposorios de la Virgen
(Perugino), datable entre 1501 y 1504-. Igualmente consideran los críticos que
la pintura se inspiró en la celebrada Cristo entregando a san Pedro las llaves,
de Perugino, del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina.
No obstante, existen una serie de
detalles que evidencian que Rafael pertenece, ya, a otra generación de
pintores. Rafael se aparta del tipo de composición de Perugino, en forma de
planos sucesivos propios del bajorrelieve. La estructura de la pintura de
Rafael, que incluye figuras en el primer plano y un edificio centralizado en el
fondo, puede ciertamente compararse con las dos pinturas de Perugino. Pero la
pintura de Rafael representa una composición circular bien desarrollada,
mientras que la de Perugino se desarrolla horizontalmente, de una forma que aún
es característica del Quattrocento. La estructura del grupo de figuras y del
gran edificio poligonal distingue claramente la obra de Rafael respecto a la de
su maestro. El espacio está más abierto en la composición de Rafael, indicando
un dominio de la perspectiva que es superior a la de Perugino.
Toda la representación es muy mecánica,
muy calibrada y calculada. Para enlazar la parte superior de la tabla con la
inferior se usan las losas del pavimento, que subrayan la fuga de perspectiva,
y de las apropiadas disposiciones de las figuras. El templo poligonal en el
estilo de Bramante establece y domina la estructura de esta composición,
determinando la disposición del grupo del primer plano y de otras figuras. Al
mantener la perspectiva en el pavimento y en los ángulos del pórtico, las
figuras disminuyen proporcionalmente en tamaño. El templo de hecho es el centro
de un sistema radial compuesto de los escalones, el pórtico, contrafuertes y
tambor, y extendido por el pavimento. En la entrada, mirando a través del
edificio y la arcada enmarcando el cielo al otro lado, se sugiere que el
sistema radial continúa al otro lado, lejos del espectador.
Este grupo principal se resalta en
detrimento de las figuras acompañantes. El sacerdote es de hecho el centro
focal de la escena, que está entre la Virgen y las mujeres, y san José, y todos
los hombres. Estas figuras se inscriben en un semicírculo, forma circular que
se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de la tabla.
Las principales figuras permanecen en pie
en el primer plano: José está colocando solemnemente un anillo en el dedo de la
Virgen y sosteniendo el bastón florecido, símbolo de que él es el elegido, en
su mano izquierda. Ha florecido su báculo mientras que los de los demás
pretendientes quedan secos. Dos de los pretendientes, enfadados, rompen sus
bastones. Se introduce así el tema de los pretendientes rechazados, pues es uno
de ellos que, según un claro uso folclórico de trasfondo sexual, en el momento
del matrimonio de ella con otro, demuestra públicamente, con este gesto, que ha
cesado toda pretensión en frente de la mujer.
Hay toda una serie de figuras detrás del
grupo principal que llevan la mirada hacia el templo del fondo. Algunas están
en la plaza que precede al templo: una pareja de viandantes a la izquierda, un
grupito más numeroso a la derecha; en estos grupos prevalece el color rojo.
También aparecen figuras en el exterior del templo: a la izquierda, una figura
a contraluz, y a la derecha otros dos individuos. De esta manera se consigue
equilibrar y marcar la profundidad del cuadro.
Captado en el momento culminante de la
ceremonia, el grupo que atiende a la boda también repite el ritmo circular de
la composición. Las tres figuras principales y dos miembros del grupo se
encuentran en el primer plano, mientras que los demás están colocados en
profundidad, moviéndose progresivamente más lejos desde el eje central. Este
eje, marcado por el anillo que José va a poner en el dedo de la Virgen, divide
la superficie pavimentada y el templo en dos partes simétricas.
Prevalece una tonalidad de pardo rojizo y
dorado, con fragmentos de marfil claro, amarillo, azul verdoso, marrón oscuro y
rojo brillante. Las formas resplandecientes parecen estar inmersas en una
atmósfera cristalina, cuya esencial es el cielo azul claro.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Fecha de creación: 1504
Ubicación: Pinacoteca de Brera
Técnica: Pintura al aceite
Período: Alto Renacimiento
Género: Arte cristiano
Pintura
Autorretrato es una pintura de la fase
florentina del artista del renacentista italiano Rafael Sanzio. Es una pintura
al óleo sobre tabla, de dimensiones de 47.5 centímetros de alto y 33 cm. de
ancho.
Autorretrato (en italiano Autoritratto)
es una pintura de la fase florentina del artista del renacentista italiano
Rafael Sanzio. Es una pintura al óleo sobre tabla, de dimensiones de 47.5
centímetros de alto y 33 cm. de ancho. Está datado alrededor de 1504-1506, y se
conserva en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.
Es uno de los pocos autorretratos del
pintor, y el único al óleo en el que aparece solo. Aunque esta generalmente
aceptado que representa a Rafael en su primera etapa florentina, siendo todavía
discípulo de Perugino,1 existe también la teoría de que es una obra posterior,
copia invertida de su rostro en La escuela de Atenas. Según esta hipótesis,
podría ser tan tardía como de principios de su época en Roma, en 1509.2
Presenta a Rafael como "un joven
vestido sencillamente, de compostura insegura y de rasgos finos y
melancólicos".1 Ha sido similarmente descrito como "una fisionomía
juvenil, suave y levemente melancólica".2 Se hace notar la descripción que
hizo su primer biógrafo, el pintor, arquitecto y escritor Giorgio Vasari:
"... resplandeciente de todas las más raras virtudes del ánimo,
acompañadas de tanta gracia, tanto estudio, belleza, modestia y óptimas
costumbres...".3
Su descubrimiento por parte de la
historia del arte se hizo en 1631, cuando se encontraba en la Colección Ducal
de Urbino. Se sabe que en 1890 estaba ya en la galería Uffizi, donde ha
permanecido desde entonces.4 El primer estudio de la obra tuvo lugar en 1984, a
manos de Gian Lorenzo Mellini.5 Ese mismo año fue expuesto públicamente por
primera vez.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Tamaño: 48 cm x 33 cm
Ubicación: Galería Uffizi
Tema: Rafael Sanzio
Fecha de creación: 1506
Técnica: Pintura al aceite, Board
STANZA DELLA SEGNATURA
La Stanza della Signatura contiene los
más famosos frescos de Rafael, que constituyen el gran debut de artista en el
Vaticano y marcan el inicio del alto renacimiento. El medio ambiente es el
nombre del más alto tribunal de la Santa Sede, la "Firma Gratiae et
Iustitiae", presidida por el Papa, y solía reunirse en esta habitación en
la segunda mitad del siglo XVI.
Originalmente, el cuarto era utilizado
por Julio II (pontífice desde 1503 hasta 1513) en la biblioteca y el estudio
privado: el programa iconográfico de los frescos, pintado entre 1508 y 1511,
está vinculado a esta función.
Sin duda, fue establecida por un teólogo
y pretende representar las tres categorías más importantes del espíritu humano:
la verdad, el bien y la belleza.
Es cierto sobrenatural se muestra en
Diferencias de la SS. Sacramento (o teología), el racional en la escuela de
Atenas (o filosofía); Bueno se expresa en la representación de las virtudes
cardinales y teologales y la Ley y de la hermosa en el Parnaso con Apolo y las
Musas.
Los frescos están vinculados a los
escenarios subyacentes: las figuras alegóricas de Teología, Filosofía, Justicia
y Poesía aluden al hecho del espíritu pintado en las paredes correspondientes.
Bajo León X (pontífice desde 1513 hasta 1521) se utilizó el medio ambiente en
su estudio y sala de música, en la que el pontífice también mantuvo su
colección de instrumentos musicales.
Los muebles originales de la época de
Julio II fue removido y reemplazado con un nuevo revestimiento de madera, por
Fra Giovanni da Verona, que se extendía sobre todas las paredes, excepto la de
Parnaso, donde la misma decoración, aún visibles hoy en día, razones de espacio
se ejecutó al fresco.
El revestimiento de madera, sin embargo,
fue probablemente destruido tras el saqueo de Roma en 1527 y en su lugar
durante el pontificado de Pablo III (Papa 1534-1549) estaba pintada de un
enganche en el claroscuro de Perin del Vaga.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Tamaño: 48 cm x 33 cm
Ubicación: Galería Uffizi
Tema: Rafael Sanzio
Fecha de creación: 1506
Técnica: Pintura al aceite
LA BELLA JARDINERA
Cuadro
La Bella Jardinera (en italiano, La bella
Giardiniera) es un cuadro obra del pintor italiano Rafael Sanzio. Está
realizado al óleo sobre tabla, en el año 1507 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de París, con el título de La Vierge à l'Enfant avec le petit
saint Jean-Baptiste, llamada La Belle Jardinière.
Historia
Se ignora quién fue exactamente el
comitente del cuadro, aunque se considera que fue encargada por el patricio
sienés Filippo Sergardi.
Tampoco se sabe cuándo llegó a las
colecciones reales francesas, donde se encuentra al menos con posterioridad a
Luis XIV. Según la tradición, fue adquirida por Francisco I de Francia, pero no
hay prueba de ello.
Análisis de la obra
Esta pintura de La Virgen y el Niño con
el pequeño san Juan Bautista, llamado La bella jardinera es un óleo sobre
madera representando a la Virgen María con Jesús niño y un joven Juan el
Bautista.
La obra está firmada en la orla del manto
de la Virgen: "RAPHAELLO URB." y datada "MDVII".
El título "Bella Jardinera" se
debe a la florida belleza de la Virgen y al ambiente campestre que la rodea.
La Virgen representa la belleza femenina,
con su óvalo puro típicamente florentino y el refinamiento y simplicidad del
peinado. Las figuras se integran en el paisaje de manera ideal.
La Virgen está sentada sobre un peñasco,
mirando hacia el niño, que le devuelve la mirada, mientras que delante suyo se
encuentra Juan que parece apoyarse en su bastón crucífero. Las miradas que
cruzan entre sí los personajes transmiten emoción silenciosa. Los halos, tan
destacados en la pintura precedente (gótica y quattrocentista) han quedado
reducidos a una suave línea dorada, casi imperceptible.
En este cuadro se sintetizan las
distintas influencias que recibió Rafael: Perugino, Leonardo y Miguel Ángel. La
Virgen con el Niño y san Juan forman una composición dinámica y piramidal,
esquema que aporta equilibrio y serenidad a la escena. el grupo se sitúa en el
primer plano de un paisaje luminoso y abierto. Al fondo, a la derecha, se ve el
perfil de una ciudad con edificios góticos. Las plantas y los arbustos son
representados con rigor científico. Entre ellas se ven violetas, símbolo de la
humildad de la Virgen, y aguileñas, símbolos de la Pasión de Cristo. La dulce
mirada de la Virgen hacia Jesús y el arbusto frágil son de inspiración
peruginesca. Las transparencias azuladas del paisaje lejano (esfumado), así
como el modelado suave de los niños, a través del efecto de luces y sombras
(claroscuro) derivan de Leonardo da Vinci. De Miguel Ángel toma el vigor
plástico y la firmeza monumental de las figuras, así como el contrapposto del
Niño Jesús.
Esta es una de las representaciones de la
Virgen María realizadas por Rafael mientras se encontraba en Florencia. Para
realizarla, hizo numerosos esbozos y un cartón, que se conservaba en la
colección del palacio Holkham Hall en Norfolk (Reino Unido) hasta 1986, cuando
fue vendido a la National Gallery de Washington. Otras representaciones de la
época con la misma atmósfera bucólica son la Virgen del prado (1506), hoy en el
Kunsthistorisches de Viena, y la Virgen del jilguero, (h. 1507), Galería
Uffizi, Florencia. Todas ellas las pintó al final de su estancia en Florencia,
y en ellas se representa a la Virgen con los dos niños, en primer plano de un
paisaje y con símbolos que prefiguran la Pasión de Cristo.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Ubicación: Museo del Louvre
Tema: Madonna
Fecha de creación: 1507
Técnica: Pintura al aceite
Período: Alto Renacimiento
LA DISPUTA DEL SACRAMENTO
Pintura
La disputa del Sacramento es una pintura
del artista Rafael Sanzio (1483-1520). Fue pintada en 1509, siendo el primero
de los frescos con los que decoró las habitaciones que hoy en día son conocidas
como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad
del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. La Sala de la
Signatura (Stanza della Segnatura) fue la primera en ser decorada, y La disputa
del Sacramento la primera pintura en ser finalizada.
La anchura en la base del fresco es de
770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la
Eucaristía.
Es el pintor Giorgio Vasari el que da
este nombre a la obra, un poco impropiamente, dado que parece aludir a un
conflicto teológico, es decir, un intenso debate, que podría darse en el
registro inferior, pero en cambio el registro superior funciona más como una
glorificación de la Iglesia celestial triunfante. El título de la obra bien
habría podido ser El triunfo de la Iglesia. El término "disputa", en
el italiano de la época, se entendía como "discusión": no tiene por
ello significado de divergencia y enfrentamiento entre las personas que
discuten.
Sentido general de la obra
El fresco pretende representar en pintura
lo que se podría llamar la Verdad teológica, frente a la Verdad filosófica que
personifica el fresco de la Escuela de Atenas que queda enfrente. En la
tradición cristiana esta verdad teológica se personifica en la eucaristía,
gesto de acción de gracias que Jesucristo lega a sus discípulos en su memoria,
poco tiempo antes de su pasión. Por lo tanto, todo el servicio de la Iglesia de
Cristo sobre tierra gira en torno a este acto supremo, como medio de redención
y también de relación con un ser divino que incluye a la Trinidad, a las
potencias celestiales y a los santos en todas las épocas. Es pues esta realidad
teológica compleja la que Rafael pretende representar en este fresco que debe
ser, dado que se destina a la oficina y a la biblioteca del papa Julio II, un
apoyo a la contemplación del misterio de la Iglesia sobre tierra y en los
cielos.
Descripción
En la parte superior está representada la
"Iglesia triunfante", esto es, santos y apóstoles, con Jesucristo en
el centro, flanqueado por María y Juan el Bautista.
En la parte inferior está la
"Iglesia militante", en la cual figuran teólogos, doctores y papas,
pero también filántropos y literatos.
Ficha técnica
Artista: Rafael Sanzio
Ubicación: Estancias de Rafael
Fecha de creación: 1509–1510
Período: Alto Renacimiento
Parte de una serie: Frescos de las
Estancias de Rafael
Géneros: Arte cristiano, Pintura de
historia
EL TRIUNFO DE GALATEA
Pintura
El triunfo de Galatea es un fresco
pintado por Rafael Sanzio entre 1510 y 1511 en la Villa Farnesina, en el barrio
de Trastévere de Roma.
En esta obra la nereida Galatea, que
ocupa el centro de la composición, representa el triunfo del amor platónico
frente al amor carnal, del que se ve rodeada, con numerosos tritones, nereidas
y otras criaturas marinas que, víctimas de los disparos de varios cupidos
celestes, se ven arrebatados al goce sensual en movimientos muy dinámicos y
contrapuestos. Galatea adopta una pose serpentinata y destaca su cabellera
rubia ondeando al viento y su manto rojo pompeyano, tonalidad que vincula esta
obra con la pintura de la antigüedad. Asimismo, cabe resaltad su serenidad, con
una mirada hacia la esquina izquierda donde aparece el único cupido (de los
varios que lanzan sus flechas de amor en el cielo) que, tranquilo, reserva sus
dardos para la mejor ocasión.
Descripción de la obra
En el centro de la composición, Galatea,
subida en una concha, sostiene con ambas manos las riendas de una pareja de
delfines que arrastra el original vehículo por la rizada superficie del mar.
Anchuroso manto agitado por la brisa envuelve la mitad inferior del cuerpo de
la nereida dejando visible su hermoso torso, que inclina ella graciosamente
mientras vuelve la cabeza elevando la mirada al cielo para contemplar unos
amorcillos juguetones que le disparan afiladas flechas.
Si Galatea, por la corrección de sus
líneas, la pureza de sus contornos y la elegancia de sus movimientos es una
figura admirable, no lo es menos la de una graciosa náyade que en primer
término aparece montada en un centauro marino que trata de aprisionarla entre
sus nervudos brazos mientras ella, sonriente y seductora, deja flotar al viento
su ligero velo.
Al fondo, varios centauros surcan las
ondas, unos llevando a las compañeras de Galatea y otros tocando trompetas y
caracolas. En primer término, el Amor vuela hasta tocar las agujas, sujetando a
guisa de palafrenero a uno de los delfines como para indicar que todos los
personajes de la composición se hallan sometidos a un avasallador imperio.
Consideraciones
El banquero sienés Agostino Chigi, amigo
del papa Julio II, encargó al pintor italiano la decoración de la suntuosa
morada que acababa de hacerse construir, proyectada por Baldassarre Peruzzi,
que, por haber pasado más tarde a ser propiedad de la familia Farnesio, se
conoce con el nombre de la Farnesina. Entre los varios frescos ejecutados en
ella por Rafael, ninguno es tan famoso como El triunfo de Galatea, que, a pesar
de los deterioros ocasionados por el tiempo, aún es una obra incomparable que
demuestra las excepcionales dotes de su autor.
Este fresco parece ser enteramente de la
mano de Rafael, quien, en una carta dirigida a Baldassarre Castiglione, habla
de él en estos términos:
En cuanto a la Galatea, yo me creería un
gran maestro si las cualidades que Vuestra Señoría le reconoce existieran solo
por la mitad. Veo en vuestras palabras el afecto que me profesáis y os diré que
para pintar una belleza tendría necesidad de ver muchas con la condición de que
vuestra señoría estuviera presente para escoger las más bella. Pero como los
buenos jueces y las mujeres hermosas son tan raros, me aprovecho de cierta idea
que se presenta a mi espíritu. Si esta idea tiene alguna excelencia artística,
esto es lo que no sé por más que trato de averiguarlo.
Tenemos, pues, en el fresco de la
Farnesina una obra en la que el mismo autor confiesa que ha tratado de realizar
su ideal artístico. Conociendo lo mucho que podía en este sentido «el príncipe
de los pintores», se puede considerar una obra maestra. Infinidad de grabados
han reproducido esta imagen posteriormente, y destacan entre ellos los de
Marcantonio Raimondi, Hendrick Goltzius y el francés Michel Dorigny (1617 -
1665).
Un poema de Poliziano elogiaba a la ninfa
del mar Galatea por preferir el amor del espíritu al lascivo, y rehusar las
pretensiones del cíclope Polifemo, cuya imagen pintó Sebastiano del Piombo en
un fresco contiguo al de Rafael.
Ficha técnica
Artista: Rafael Sanzio
Ubicación: Villa Farnesina
Período: Alto Renacimiento
LA VELADA
Cuadro
Dama velada o La
velada, es uno de los más célebres retratos del pintor italiano renacentista
Rafael Sanzio. Ejecutada hacia 1515, la obra muestra el pleno dominio del color
y de la luz que Rafael había obtenido apenas cumplidos los treinta años.
Ejecutada hacia
1515, la obra muestra el pleno dominio del color y de la luz que Rafael había
obtenido apenas cumplidos los treinta años. En este periodo Rafael evita en los
retratos los fuertes contrastes cromáticos para profundizar en los medios tonos
y en la sutileza de las gamas oscuras. Es la luz la que cobra protagonismo y,
reflejada en los tejidos de los personajes, ilumina y vivifica las
composiciones. Ya en el retrato de Baltasar de Castiglione, pintado
prácticamente al tiempo que la Velada, había dejado una nota única de color:
los ojos azules del autor de El Cortesano. Con este cuadro comparte rasgos
estilísticos, como la mencionada austeridad del colorido, un encuadre más
cercano de lo habitual con las manos recortadas y una mirada de frente hacia el
espectador que coloca en igualdad al retratado.
Existe un contraste
notable entre la serenidad del resotro y las agitadas ondulaciones de los
ropajes, aplicados con gruesas pinceladas para destacar la incidencia de la luz
en las telas con relación a la suavidad de las carnaciones.
La mujer de la
pintura aparece en otro retrato, La Fornarina, y fue tradicionalmente
identificada como la fornarina (hija del panadero) Margherita Luti, amante de
Rafael; sin embargo esta identificación no ha podido ser demostrada.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1515
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Género: Retrato
Ubicaciones:
Palatine Gallery, Palacio Pitti
LAS GRACIAS
Cuadro
Las tres gracias es
un cuadro de Rafael Sanzio que se cree fue pintado en 1504 durante su estancia
en Florencia.
Las tres gracias es
un cuadro de Rafael Sanzio que se cree fue pintado en 1504 durante su estancia
en Florencia. Pintada sobre tabla, esta obra, que apenas mide 17 centímetros de
altura, es una joya artística que a lo largo de la historia ha pasado por diversos
dueños. Entre ellos, el pintor Thomas Lawrence, lord Derby, la Colección
Borghese o lord Ward. Actualmente se conserva en el Museo Condé de Chantilly
(Francia).
Fue una obra de
encargo que forma pareja con El sueño del caballero (National Gallery de
Londres). Siempre se ha considerado a Scipione di Tomaso Borghese como el
cliente pero en la actualidad se especula con la posibilidad de Francesco Maria
della Rovere, apuntándose también como el protagonista del retrato de Joven con
manzana de la Galería Uffizi.
Le tre Grazie.
Capella Piccolomini (Siena).
Por un dibujo a
pluma hecho por Rafael que se conserva en Venecia, se ve que el célebre pintor
se inspiró en el grupo escultórico de las Tres Gracias de Siena para llevar a
cabo su obra. Si bien utilizando los recursos de su genio, dio a la obra tal
sentimiento de castidad y de gracia al mismo tiempo que el cuadro resulta
original y moderno. Las Gracias aparecen desnudas y agrupadas como en la
antigüedad. La de en medio, vista de espaldas, vuelve la cabeza enseñando un
perfil ideal. Las otras dos, de frente, inclinan graciosamente la cabeza en
sentido opuesto y sus brazos se enlazan con los de su hermana apoyándose las
tres mutuamente. Las figuras forman un conjunto encantador por la elegancia de
las actitudes y la pureza de las líneas que se destacan sobre el fondo de un
paisaje accidentado. Se puede afirmar que la fisonomía de las tres doncellas se
halla a la altura de las mejores obras del pintor y representa el prototipo de
belleza de la escuela clásica italiana.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 17 cm x 17
cm
Ubicación: Palacio
de Chantilly
Fecha de creación:
1503–1505
Períodos:
Renacimiento italiano, Alto Renacimiento, Renacimiento
Tema: Manzana,
Cárite
EL PARNASO
Pintura
El Parnaso es un
fresco del artista Rafael Sanzio. Al discípulo Giovanni da Udine se le atribuye
la ejecución de las musas. Fue ejecutado en 1511.
El Parnaso es un
fresco del artista Rafael Sanzio. Al discípulo Giovanni da Udine se le atribuye
la ejecución de las musas. Fue ejecutado en 1511. Se encuentra en la parte
norte de la Sala de la Signatura (Stanza della Segnatura), una de las
habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael,
ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte
de los Museos Vaticanos. Fue la tercera en pintarse, después de La disputa del
Sacramento y La escuela de Atenas.
Esta alegoría del
Parnaso se encuentra encima de una de las ventanas de la Sala de la Signatura.
Tiene una anchura en la base de 670 cm.
La pintura muestra
el mitológico Monte Parnaso, la montaña sagrada donde reside el dios Apolo y
las musas de la mitología griega.
En el centro del
cuadro está la fuente Hipocrene, y por encima de ella Apolo toca un instrumento
estilizado: un violín o una viola de brazo, instrumento capaz para la
polifonía. Parece que el rostro de Apolo es el del papa Julio II, tañedor de
viola de brazo.
A su alrededor, las
nueve musas, repartidas a ambos lados del dios. Al lado izquierdo de Apolo hay
cuatro musas: Melpómene, Terpsícore, Polimnia y Calíope. Al lado derecho del
dios están, a su vez, representadas cinco musas: Euterpe, Clío, Talía, Urania y
Erato.
Rafael representa a
nueve poetas de la Antigüedad y otros nueve contemporáneos. Estos literatos
conversan entre sí sin atender al concierto ofrecido por Apolo. Aquí aparecen
no sólo poetas de la Antigüedad clásica, sino también otros posteriores e
incluso contemporáneos, como Dante, Petrarca, Ariosto y Sannazaro.
La identificación de
algunos poetas es dudosa, y así como Dante y Homero están claramente
representados, otros no se reconocen con facilidad. A la izquierda de Apolo
estarían cuatro poetas épicos: Dante, Homero, Virgilio y Angelo Poliziano,
siendo dudoso que este último sea un autorretrato de Rafael, y cuatro poetas
líricos: Safo, Petrarca, Corina (poeta griega del siglo V a. C.), Alceo y
Anacreonte. Algunos autores sugieren que uno de ellos puede ser Teócrito
En el lado derecho
se han identificado con cierta seguridad Sannazaro, Tebaldeo, y Ludovico
Ariosto. Más dudoso es el resto de las figuras. Unos identifican a Castiglione,
Vittoria Colonna y Pietro Bembo, que tendría el rostro vuelto hacia Francesco
Petrarca, su modelo supremo; y luego en torno a Bembo habría dos poetas
desconocidos. Se les llama poetas del futuro que juzgan el pasado. De hecho
este fresco se ha interpretado como un "viaje en el tiempo de la
cultura" da la antigüedad conocida hacia un futuro desconocido
representado por los últimos dos poetas.
Otros han
identificado entre las figuras a la derecha de Apolo a Píndaro, Horacio,
Ovidio, Tíbulo, Cátulo, Propercio y Boccaccio
Se cree que este
fresco lo elaboró Rafael con la ayuda de Pietro Bembo. A diferencia de lo que
ocurre en la escuela de Atenas, en la que sólo se reflejaba a filósofos de la
Antigüedad, en el Parnaso se admiten poetas posteriores e incluso
contemporáneos, ya que, a diferencia de lo que ocurre en la filosofía
renacentista, la poesía de aquella misma época sí produjo obras que se
consideraban comparables a las de la Antigüedad.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Estancias
de Rafael
Fecha de creación:
1511
Período: Alto
Renacimiento
Tema: Musa, Apolo
Géneros: Retrato,
Pintura de historia
SAN JORGE Y EL DRAGÓN
Pintura
San Jorge y el
dragón es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio,
que data alrededor de 1504–1506. Es un cuadro de tamaño muy pequeño, con unas
dimensiones de 28.5 centímetros de alto y 21.5 cm de ancho.
San Jorge y el
dragón (en italiano San Giorgio e il drago) es una pintura del artista del Alto
Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que data alrededor de 1504–1506. Es un
cuadro de tamaño muy pequeño, con unas dimensiones de 28.5 centímetros de alto
y 21.5 cm de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D.
C., Estados Unidos.
San Miguel, San
Jorge y el dragón en el Louvre, y este otro San Jorge de la Galería Nacional de
Arte de Washington, están unidos tanto por su tema —un joven armado luchando
contra un dragón— y por elementos estilísticos. Los tres cuadros pertenecen al
periodo florentino de Rafael y reflejan aquellos estímulos que recibió de los
grandes maestros que trabajaban en Florencia o cuyas pinturas podían verse
allí. La influencia de Leonardo —cuyos guerreros luchando en la Batalla de
Anghiari (1505) en el Palacio de la Señoría proporcionaron un extraordinario
ejemplo de arte marcial (la pintura se deterioró muy rápidamente debido a las
insuficiencias de Leonardo en la técnica experimentada y por lo tanto ya no es
visible)— predomina en estas obras. Pero las referencias a la pintura flamenca
—particularmente la de Hieronymus Bosch (la luz deslumbrante y los monstruos
humanoides que pueblan el San Miguel son característicos del Bosco)— sugieren
el entorno de Urbino, donde las influencias nórdicas eran aún bastante vívidas.
Estos pequeños
paneles indican un momento en el que el pintor recoge los frutos estilísticos
de lo que hasta aquel momento había asimilado y, al mismo tiempo, plantea
problemas pictóricos que se desarrollarán en el futuro.
La pintura solía ser
el plato fuerte de la colección de Pierre Crozat que fue adquirida a través de
la mediación de Diderot por Catalina II de Rusia en 1772. Durante un siglo y
medio, la tabla colgó en el Museo Imperial del Hermitage. Era una de las pinturas
más populares de toda la colección de los zares. En marzo de 1931, los
bolcheviques vendieron la pintura a Andrew Mellon, quien la cedió a la galería
de Washington.
Fiha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 28 cm x 22
cm
Ubicación: Galería
Nacional de Arte
Tema: Jorge de
Capadocia
Fecha de creación:
1506
Técnica: Pintura,
Pintura al aceite
RETRATO DE UNA MUJER JOVEN
Trabajo de arte
El retrato de una
mujer joven, también conocido como La Muta, es un retrato del artista del
renacimiento italiano Raphael, c. 1507-1508. Se encuentra en la Galleria
Nazionale delle Marche, en Urbino.
El cuadro retrata a
una mujer noble desconocida sobre un fondo casi negro, mostrando algunas
influencias Leonardesque. Aunque sólo recientemente atribuido a Rafael, se
encuentra entre los mejores retratos de su mano.
La limpieza de las
grandes áreas de color que emergen en tonos más claros desde el fondo, y el
tratamiento analítico de los detalles de la ropa de la mujer son
características de Rafael. El efecto dispersivo de esta atención al detalle
está totalmente compensado por los tonos de color -utilizados aquí en un rango
bastante limitado- que unifican la composición en su conjunto.
Nicoletta Baldini
describe las manos en este retrato como "vibratile", una distinción
de Michelangelo o Da Vinci.
El análisis de rayos
X ha demostrado la presencia de un dibujo de Raphael temprano bajo la pintura,
de un rostro femenino, joven con características suaves, con modificaciones
posteriores.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Palacio
Ducal de Urbino
Fecha de creación:
1507
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Género: Retrato
TRASLADO DE CRISTO
Pintura
Traslado de Cristo,
también conocida como Deposición Borghese, es la tabla central del retablo
Baglioni de Rafael Sanzio concluido en 1507.
Traslado de Cristo,
también conocida como Deposición Borghese, es la tabla central del retablo
Baglioni de Rafael Sanzio concluido en 1507. Se trata de una de las pinturas
más ambiciosas del periodo florentino de Rafael, puesto que en ella tuvo que
armonizar una composición de muchas figuras en actitudes contrapuestas. La
reflexión que le exigió esta obra se comprueba en la cantidad de estudios
preparatorios que se conservan desde 1505.
La tabla conforma el
centro del retablo (en italiano pala) Baglioni, que se completaba con un Dios
padre bendiciente en el coronamiento y con unas personificaciones de las
virtudes teologales en la predela, además de otros elementos decorativos de
transición. Del retablo original se han desgajado las obras, ya que la imagen
del Padre Eterno bendiciente se conserva en la Galería Nacional de Umbría,
mientras que las Virtudes teologales y angelitos, en la pinacoteca Vaticana.
Recibe el nombre de retablo Baglioni porque fue encargado por Atalanta
Baglioni, miembro de una de las familias más importantes de Perugia, ciudad
donde Rafael seguía estando activo.
El Traslado de
Cristo experimentó grandes cambios desde su proyecto inicial. Un dibujo
preparatorio que se encuentra en Oxford y data de hacia 1505 muestra que su
primera idea era una Lamentación sobre Cristo muerto similar a la realizada por
Il Perugino en 1495 para el templo de Santa Clara de Florencia, en la que la
composición estaba exenta de dramatismo y resultaba bastante convencional,
quizá por responder a las ideas compositivas pedidas por Atalanta.
Sin embargo en el
cuadro final lo que se representa es el traslado del cadáver de Cristo
sostenido por dos hombres que sujetan una sábana con fuerza donde reposa el
peso de Jesús. Esta escena se sitúa en el primer término de la composición y a
la derecha, y en segundo plano, se produce la lamentación de la Virgen, que se
ha convertido en un espasmo o desmayo. El dinamismo de la escena se refuerza
gracias a la tremolina en los cabellos de María Magdalena, que sostiene la mano
izquierda inerte de Cristo y en el faldón del joven que de espaldas y en
posición de tres cuartos carga el peso de sus piernas. El grupo de la Virgen
atendida por varias mujeres se ha desplazado a un plano secundario, variando
así lo previsto en la primera composición, pero se ha acentuado su desgarro
mediante la presentación de su desvanecimiento. Se crea de este modo un
paralelismo entre Cristo y su madre, pues ambos tienen que ser sostenidos por
otras figuras.
El estudio
cuadriculado que se custodia en la Galería Uffizi de Florencia muestra un
estadio muy cercano al del cuadro final, aunque aún aparece una figura femenina
entre el portador del cuerpo de Cristo que ocupa el centro del Cuadro y María
Magdalena, que en la versión definitiva sería suprimida y trasladada al grupo
de mujeres que ayudan a la Virgen.
Los personajes
presentan distintas actitudes y se relacionan entre ellos con naturalidad, de
modo que se presenta un notable dinamismo en los movimientos y en los gestos de
todos los personajes. Asimismo, el cromatismo es brillante y variado.
Toda la serie de
cambios en la composición en los dos años en los que Rafael estuvo perfilando
esta obra muestra cómo se trató de una de las obras más importantes para el
genio de Urbino de su periodo florentino. En ella se da una creación que
integra varios personajes en un cuadro de gran formato, algo que no era
habitual en la producción de Rafael hasta el momento, pues sobre todo recibía
encargos de vírgenes y retratos de menor complejidad compositiva. El Traslado
de Cristo ejemplifica los logros rafaelescos en un gran cuadro del género de
historia, que serán culminados en la realización de sus Estancias Vaticanas.
Vasari dedicó
grandes elogios a esta obra, calificándola de «divinísima pintura» y señalando
que fue hecha con «tanta frescura y tanto amor, que se diría que la acaban de
pintar». Destaca la intensidad del dolor que reflejan los personajes,
especialmente San Juan Bautista, y la considera obra asombrosa por el esfuerzo,
el amor y la gracia que contiene y por la belleza de figuras, vestidos y
detalles.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1507
Período: Alto
Renacimiento
Género: Arte
cristiano
VIRGEN DEL PRADO
Pintura
Esta Virgen con el
Niño y San Juan, conocida como la Virgen del prado es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1505-1506.
Esta Virgen con el
Niño y San Juan, conocida como la Virgen del prado (en italiano Madonna del
prato) es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data
de 1505-1506. Está realizada al temple y al óleo sobre madera con unas dimensiones
de 113 centímetros de alto y 88 cm. de ancho. Se conserva en el Museo
Kunsthistorisches de Viena, Austria.
Sobre la orla del
vestido de la Virgen consta la fecha: 1506. Rafael la realizó para la capilla
de los Novicios de San Marco. Es una de las Vírgenes con el Niño Jesús y san
Juanito, en un paisaje abierto, realizadas por Rafael en sus años florentinos.
En esa época Rafael pudo estudiar de cerca la obra de Miguel Ángel y de
Leonardo. La escena de la Virgen con Niño acompañados por san Juanito fue muy
frecuente en la pintura italiana del siglo XV. La tipología de Virgen que
desarrolló Rafael en estos cuadros tuvo posteriormente mucho éxito.
La composición está
muy estudiada. Las figuras forman un triángulo isósceles, cuya cúspide ocupa la
cabeza de la Virgen. Es característico de Rafael el vestido intensamente rojo
de la Virgen, así como el escote en redondo. Los dos niños están en la parte
inferior, un poco desplazados hacia la izquierda, lo cual viene compensado por
la extensión del pie de la Virgen hacia la derecha. El pequeño san Juan se
arrodilla, sosteniendo el bastón crucífero; el Niño, de pie, lo coge.
Esta composición
piramidal pone de manifiesto la influencia leonardesca, en particular de la
obra Santa Ana con la Virgen y el Niño. Otros rasgos típicamente leonardescos
son la cara de la Virgen, el esfumado que se aprecia, por ejemplo, en la
espalda del Niño Jesús, y el paisaje del fondo, de tonos azulados y brumosos.
Hay, no obstante, algunos elementos que marcan ya una distancia respecto a la
obra de Leonardo, como el valor de la línea de contorno.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo de
Historia del Arte de Viena
Fecha de creación:
1505–1506
Género: Arte
cristiano
Técnica: Pintura,
Madera, Pintura al aceite
Períodos:
Renacimiento italiano, Alto Renacimiento, Renacimiento
VIRGEN DE LA SILLA
Pintura
Virgen de la silla o
en America como María Madre de Misericordia es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1513-1514.
Virgen de la silla
(Virgen con Niño y san Juanito) (en italiano Madonna della seggiola) o en
America como María Madre de Misericordia es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1513-1514. Es una pintura al
óleo sobre tabla, de forma redonda (tondo) con unas dimensiones de 71
centímetros de diámetro. Se conserva en la Galería Palatina del Palacio Pitti
de Florencia, Italia. Es una obra renacentista
Muestra a Virgen
abrazando al Niño Jesús mientras que un joven Juan Bautista mira con devoción.
Esta obra fue
pintada durante el periodo romano de Rafael. Parece que toma su inspiración
para esta obra mientras transitaba por Velletri, representándose a la Virgen
como una campesina del lugar. L. Bartelli y B. Pallotti afirman (Gli Inediti di
Velletri) que Rafael quedó particularmente atraído por la belleza de una madre
joven con su hijo, y que no teniendo con él los instrumentos de su oficio,
esbozó con una tiza el retrato de la mujer con el niño en brazos. Así, en los
rasgos de la Madre de Dios, se estarían reflejando los de una bella campesina
velletrina.
Esta Virgen carece
de la forma geométrica estricta y el estilo lineal de las madonas que había
realizado antes el pintor, durante su periodo florentino. En lugar de ello, los
colores más cálidos parecen sugerir la influencia de Tiziano y del rival de Rafael,
Sebastiano del Piombo.
Leyenda
Cuenta la leyenda
que un pobre Sacerdote ermitaño fue sorprendido por una manada de lobos.
Temiendo que los lobos lo fueran a matar se refugió en lo alto de una encina;
la hija del dueño de un hostal, una dulcísima joven de cabellos castaños con el
rostro lleno de encanto y misterio, acudió en su auxilio.
La valiente
intervención de la niña puso en fuga a los lobos y permitió al solitario
Sacerdote bajar de su refugio en el árbol. El clérigo ermitaño entonces
impartió su bendición tanto al árbol como a la joven y profetizó que ambos, un
día, “conquistarían la inmortalidad”.
Pasó el tiempo y la
hija del hotelero se casó y tuvo dos bellísimos hijos. El árbol de encina fue
talado por el dueño de la posada y utilizó su madera para fabricar tapas y
barriles.
Un día, el maestro
Rafael Sanzio pasaba por aquel pueblo, uno de los Apeninos italianos, y quedó
sorprendido por la extraordinaria belleza de una joven sentada en la entrada de
su casa, acompañada de su niño más pequeño en brazos y otro de pie a su lado.
El pintor quiso
retratarlos en ese momento, pero no tenia a mano ni tela ni pinceles. Entonces,
con tal de no perder el encanto de aquella escena, recurrió al único medio a su
alcance y en el fondo de una de las tapaderas de un barril y dibujó al carboncillo
la figura que luego se convertiría en la Virgen de la Silla. La forma del fondo
de la tapa, por tanto sería la razón de la admirable composición circular. De
esta suerte, según la profecía del Sacerdote ermitaño, tanto la joven como la
encina -de la que había salido la madera con la que se hizo la tapadera-
alcanzaron la inmortalidad gracias al arte del maestro.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Palacio
Pitti
Fecha de creación:
1514
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
RETRATO
DE BALTASAR CASTIGLIONE
Cuadro
El Retrato de
Baltasar Castiglione es un cuadro del pintor italiano Rafael. Está realizado al
óleo sobre lienzo.
El Retrato de
Baltasar Castiglione (en italiano, Ritratto di Baldassarre Castiglione) es un
cuadro del pintor italiano Rafael. Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue
pintado hacia 1515, mide 82 cm de alto y 67 de ancho y se conserva actualmente
en el Museo del Louvre de París, con el título de Portrait de Baldassare
Castiglione, écrivain et diplomate (1478–1529).
Historia
La autoría de este
retrato había sido puesta en duda. De acuerdo con una carta de 1516 de Pietro
Bembo al cardenal Bibbiena, «El retrato de M. Baldassare Castiglione... [y el
del Duque Guidobaldo di Montefeltro] pudieron ser obra de uno de los alumnos de
Rafael». No obstante, la opinión generalizada actual es que sí es obra de
Rafael debido a la alta calidad y la magistral combinación de elementos
pictóricos que distinguen la pintura, como el afecto inherente en el
inteligente y calmado rostro de Castiglione. Las apagadas tonalidades de la
ropa y el fondo, inusualmente ligero, indican la mano de un pintor
experimentado y hábil, así como la mirada directa del sujeto, que establece un
contacto inmediato e íntimo con el observador.
De la casa de los
Castiglioni en Mantua, el lienzo pasó a los Países Bajos y fue adquirido en
1630 en Ámsterdam por Lucas van Uffel, marchante amigo de Van Dyck; se cuenta
que Rembrandt acudió a la subasta e intentó pujar, pero no disponía de dinero
suficiente. Nueve años más tarde el cuadro fue adquirido por el Cardenal
Mazarino y en 1661 entró en la colección de Luis XIV de Francia.
Este retrato ha
figurado en diversas exposiciones internacionales. Estuvo expuesto del 25 de
marzo al 4 de junio de 2006 en el Museo de Capodimonte dentro de la exposición
«Tiziano y el retrato de corte, de Rafael a Carraci». Posteriormente, ha
formado parte de la exposición «Louvre Atlanta» celebrada hasta enero de 2007,
en el High Museum of Art de Atlanta, Georgia. En 2012-13 participó en la
antológica «El último Rafael», coorganizada por el Louvre y el Museo del Prado,
y posteriormente se prestó para una de las exposiciones inaugurales del nuevo
Museo Louvre-Lens.
Análisis del cuadro
Es un retrato de
Baltasar de Castiglione, nacido en Mantua en 1478, fue una figura literaria
activa en la corte de Urbino en los primeros años del siglo XVI; también
desempeñó el papel de embajador.
En primer plano
resaltan las manos entrelazadas, mientras que los brazos se abren, permitiendo
así medir la amplitud del torso.
En este retrato,
Rafael capta el ideal de un hombre equilibrado, culto, dominador de sus
pasiones, por medio de la entonación recíproca de los colores marcados: las
tonalidades oscuras y argénteas de la ropa, la blancura de la camisa. La ropa
oscura es propia de la moda borgoñona.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 82 cm x 67
cm
Ubicación: Museo del
Louvre
Tema: Baltasar
Castiglione
Fecha de creación:
1514–1515
Técnica: Pintura al
aceite
VIRGEN DEL JILGUERO
Pintura
La Virgen del
jilguero es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, datada
hacia 1506. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 107
centímetros de alto por 77 cm de ancho.
La Virgen del
jilguero (en italiano Madonna del cardellino) es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, datada hacia 1506. Es una pintura al óleo
sobre tabla con unas dimensiones de 107 centímetros de alto por 77 cm de ancho.
Se conserva en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.
Historia[editar]
Es una Virgen del
jilguero ejecutada durante la estancia de Rafael en Florencia. La Virgen fue un
regalo de bodas de Rafael a su amigo Lorenzo Nasi. El 17 de noviembre de 1548,
la casa de Nasi quedó destruida por un terremoto, y la pintura se partió en diecisiete
fragmentos. Del rápido daño, escribe Giorgio Vasari en el año 1568:
«Encontraron las piezas entre el mortero de las ruinas. Fueron donde Battista,
hijo de Lorenzo, muy amante del arte, para que las rehiciera de la mejor manera
que pudiese». Fue restaurada poco después, pero el daño aún resulta visible.
Los análisis con
rayos X permitieron ver las fracturas entre las piezas, rellenas por nueva
pintura. La esquina inferior izquierda fue completamente rehecha, así como un
rectángulo correspondiente a la pierna de Jesús.
Entre el año 2000 y
el 2002 se hicieron investigaciones para una nueva restauración, terminada en
2005.
El cuadro fue
sometido a una reflectografía infrarroja que puso en evidencia un dibujo
preliminar a escala 1:1. Las diferencias respecto a la obra acabada en las
figuras son pocas y no decisivas; más importantes son las relativas al paisaje.
El puente a la
derecha era del todo inventado, sin trazos de polvo, mientras que a la
izquierda debían aparecer una torre y un edificio cilíndrico, que en el cuadro
se han transformado en un espacio abierto.
Otras diferencias
son las que se refieren al escote del traje de la Virgen, que en el cartón era
más mórbido y no cuadrado, y en la oreja de Juan Bautista, que resulta en una
posición más alta.
Análisis[editar]
En esta pintura,
como en la mayor parte de las Vírgenes de su periodo florentino, Rafael colocó
las tres figuras (la Virgen María, el Niño Jesús —a la derecha— y san Juan)
dentro de un dibujo geométrico. Aunque las posiciones de los tres cuerpos son
naturales, juntos forman un triángulo prácticamente regular.
La Virgen sostiene
un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae («Asiento de la
Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo.
San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro.
La influencia
leonardesca se evidencia en muchos rasgos de la obra, como la estructura
piramidal y el claroscuro. También se nota en la oscuridad del terreno y en el
tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en las brumas del
horizonte. Los rostros del Bautista y de Cristo tienen una impronta
inconfundiblemente leonardesca en el esfumado que les rodea y en los rasgos
somáticos.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1506
Género: Arte
cristiano
Ubicaciones: Galería
Uffizi, Palacio Medici Riccardi
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
Técnica: Pintura,
Pintura al aceite
Períodos:
Renacimiento italiano, Alto Renacimiento, Renacimiento
RETRATO DE MADDALENA DONI
Pintura
El Retrato de
Maddalena Doni también conocido como Retrato de Magdalena Doni o Retrato de
Maddalena Strozzi es una pintura realizada en óleo sobre tabla por el maestro
del renacimiento Rafael entre 1506 y 1507.
El Retrato de
Maddalena Doni también conocido como Retrato de Magdalena Doni o Retrato de
Maddalena Strozzi es una pintura realizada en óleo sobre tabla por el maestro
del renacimiento Rafael entre 1506 y 1507. La obra se conserva en la Galleria
Palatina del Palacio Pitti de Florencia.
Historia[editar]
Posiblemente el
retrato fue parte de un díptico, en el cual se encontraba el retrato de Agnolo
Doni, un mercader florentino y esposo de Maddalena.1 Algunos historiadores
indican que la obra fue encargada a Rafael para conmemorar la unión de la
pareja, la cual se celebró en 1504. Sin embargo, se estima que los dos retratos
fueron ejecutados por Rafael en 1506, fecha en la que se cree que el pintor de
Urbino estudió de cerca la obra de Leonardo Da Vinci.
La composición de la
pintura guarda numerosas semejanzas con La Gioconda. Una de esas similitudes es
la postura de la modelo, por ejemplo, las manos de Maddalena mantienen la misma
posición que las de la Mona Lisa, la mano derecha reposa sobre la mano izquierda.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Palacio
Pitti
Fecha de creación:
1506
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Género: Retrato
EL SUEÑO DEL CABALLERO
Pintura
El sueño del
caballero es una pintura de la época temprana del artista del renacentista
italiano Rafael Sanzio. Es una pintura al óleo sobre tabla, con unas
dimensiones de 17.1 centímetros de alto y 17.1 cm. de ancho.
El sueño del
caballero (en italiano Sogno del cavaliere) es una pintura de la época temprana
del artista del renacentista italiano Rafael Sanzio. Es una pintura al óleo
sobre tabla, con unas dimensiones de 17.1 centímetros de alto y 17.1 cm. de
ancho. Se calcula que fue terminado en 1504-1505, y se conserva en la National
Gallery de Londres de Londres, Reino Unido.
La obra representa
el tema del sueño de Escipión, la historia contada por Cicerón sobre la
juventud de Escipión el Africano (236 - 184 AC), según la cual Minerva y Venus
se le aparecieron en un sueño. La primera le ofreció una espada y un libro; la
segunda, una rama florida. En un estudio sobre cartón, conservado también en la
National Gallery, "la dama de la izquierda parece aún más adusta; la de la
derecha, más atrevidamente descubierta".1 El caballero aparece dormido a
los pies de un laurel entre las dos figuras femeninas, elementos interpretados
respectivamente como la gloria, la virtud y el amor.2
La fuente más
probable de Rafael es un pasaje de la Punica, un poema épico del poeta latino
Silio Itálico que narra la segunda guerra púnica.3
Se sabe que el
cuadro formaba un díptico con Las tres Gracias, un óleo sobre madera de las
mismas dimensiones. Se desconocen más datos sobre la relación entre ambas
obras. Pertenecieron a la colección de pinturas Borghese hasta 1800, cuando
fueron vendidas por separado.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1504
Período: Alto
Renacimiento
Género: Pintura de
historia
Ubicaciones: The
National Gallery, National Portrait Gallery
Técnica: Pintura al
temple, Huevo
MADONA DEL GRAN DUQUE
Pintura
La Virgen con Niño
es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que
data hacia 1505. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 84
centímetros de alto y 55 cm. de ancho.
La Virgen con Niño
(Madona del gran duque) (en italiano Madonna del granduca) es una pintura del
artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que data hacia 1505. Es
una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 84 centímetros de alto y
55 cm. de ancho. Se conserva en la Galería Palatina del Palacio Pitti, en
Florencia, Italia.
La primera noticia
que se tiene de este cuadro es del 23 de noviembre de 1799 cuando el director
de la Galería de los Uffizi escribió al gran duque Fernando III que había
adquirido esta obra de un comerciante de Florencia.
Intervino el duque y
pocos meses después la tela entró a formar parte de la colección del palacio
Pitti. Por haber pertenecido a Fernando III, Gran Duque de Toscana, se la
conoce como Madona del gran duque.
Probablemente fue
pintada en el año 1505, poco después de que Rafael llegase a Florencia. La
influencia de Leonardo da Vinci, cuyas obras consiguió conocer allí, puede
verse en el uso del esfumado.
En este cuadro la
Virgen María está representada en pie, con un vestido rojo y un manto azul
mientras tiene en brazos al Niño Jesús sobre un fondo negro.
A través de algunas
radiografías se ha descubierto que en principio a espaldas de la Virgen, a su
izquierda, se abría una ventana en forma de arco que daba a un paisaje,
mientras que la altura de María de debía a un asiento de piedra.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Palatine
Gallery
Fecha de creación:
1505
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
RETRATO DE UN JOVEN
Trabajo de arte
El retrato de un
hombre joven es una pintura al óleo sobre lienzo (72x56 cm) atribuido a
Raffaello Sanzio, que data entre 1516 y 1517 y que se conserva en el Museo
Czartoryski de Cracovia.
Historia
El trabajo, que
también fue copiado por Antoon Van Dyck, probablemente en Italia (Chatsworth
portátil, 1622-1627), fue comprado en Venecia por el príncipe Adam Czartoryski
en 1807.
Muestra a un joven
de tres cuartos, con la cara vuelta hacia el espectador, retrato dentro de una
habitación con ventana. Según la pierna del lado izquierdo se cortó o porque el
dañado o para adaptar el tamaño de la tela en un marco, ya que es muy raro que
la mano está pintada sólo en medio. Una limpieza demasiado enérgico, ejecutado
en una fecha desconocida, ha agotado la superficie de la pintura, por lo que la
tarea más difícil. Las intervenciones de ayuda, probablemente por Giulio
Romano, fueron detectados por Adolfo Venturi. Algunos han especulado que podría
ser un autorretrato de Rafael. Ella tiene el pelo largo y lleva una camisa
blanca suelta y una piel tendida en el hombro. Otros han acercado a la obra de
los llamados retratos de Francesco Maria della Rovere en los frescos de la
marcación.
La pintura le
pierden totalmente la pista durante la Segunda Guerra Mundial cuando fue robado
por los alemanes: en 1939 Hans Frank, en efecto aprovechar la pintura. Fue
visto por última vez en 1945.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1514
Período:
Renacimiento italiano
Género: Retrato
Técnica: Pintura
sobre tabla, Pintura al aceite
LA RESURECCIÓN DE CRISTO
Pintura
La resurrección de
Cristo, conocida también como Resurrección Kinnaird por haber formado parte de
la colección de Lord Arthur Fitzgerald Kinnairdrthshire, es una pintura al óleo
sobre tabla atribuida al maestro del renacimiento italiano Rafael Sanzio. Es,
posiblemente, una de las primeras obras del artista, hecha entre 1499 y 1502 en
pequeño formato (52 cm x 44 cm). Es probable que sea uno de los elementos de
una predela que podría haber formado parte del Retablo Baronci, primer encargo
documentado de Rafael y que quedó seriamente dañado tras un terremoto ocurrido
en 1789; sus fragmentos se encuentran dispersos en varios museos.
En esta obra
temprana se puede observar el dramatismo estílico y compositivo del autor, en
oposición al poético que empleaba su maestro Pietro Perugino. Está hecha con
gran racionalidad mediante una compleja e ideal geometrización que une todos
los elementos de la escena y les confiere una peculiar animación rítmica, al
hacer participar a todos sus personajes en una única «coreografía». Es posible
percibir en la obra la influencia estética de Bernardino di Betto y Melozzo da
Forlì, aunque la orquestación espacial de la obra, tendente al movimiento,
permite suponer el conocimiento por el artista del arte florentino de su
tiempo.2
La obra, cuya
autoría ha tardado en concretarse por parte de la crítica, fue adquirida por el
Museo de Arte de São Paulo en 1954. Pietro Maria Bardi, entonces director del
museo, la consideró obra de Rafael basándose en la existencia de dos estudios
preparatorios para la composición, lo que inició un acalorado debate sobre su
autoría. Posteriormente, la atribución a Rafael ha sido generalmente aceptada
por la crítica experta.2 3 Es la única obra del artista conservada en el
Hemisferio Sur
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo de
Arte de São Paulo
Fecha de creación:
1499–1502
Técnica: Pintura al
aceite
MADONNA CONNESTABILE
Pintura
La Madonna
Connestabile es una pequeña pintura del artista renacentista italiano Rafael
Sanzio, que data de 1502-1503.
La Madonna
Connestabile es una pequeña (y probablemente inacabada) pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1502-1503. Fue ejecutada al
óleo1 sobre tabla, y transferida después a lienzo, con unas dimensiones de 17,5
centímetros de alto y 18 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Hermitage de
San Petersburgo, Rusia. Es conocida también como La Virgen y el Niño.
Es muy probable que
sea la última obra pintada por Rafael en Umbría antes de trasladarse a
Florencia, comprobándose en ella la influencia de Perugino.1 La tabla sobre la
que se pintó era cuadrangular, y en las esquinas había unos motivos
decorativos.
Su nombre viene de
la familia Connestabile de Perugia, de quien la adquirió el zar Alejandro II de
Rusia en 1871. El zar la regaló a su consorte, María Aleksandrovna. Desde
entonces, la pintura se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.
En 18812 el soporte fue transferido a lienzo, por el mal estado de la obra.
La pintura
representa a la Virgen María cuidando del Niño Jesús mientras lee un libro; el
Niño juega con el lomo del libro.1 El manto de la Virgen es azul, su color
tradicional; debajo lleva un vestido de color carmín con una lazada bordada
como adorno del corpiño. Rafael dibuja a la Virgen con un rostro sereno y al
mismo tiempo meditativo, con los ojos bajos. Cuando se pasó de tabla a lienzo,
se descubrió que en la versión original la Virgen contemplaba una granada
(símbolo de la Pasión) en lugar del libro.
En el fondo se
representa un extraño paisaje con montes cubiertos de nieve. El paisaje
intermedio, en cambio, es primaveral, sin detalles, lo que transmite la idea de
inocencia.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo del
Hermitage
Fecha de creación:
1504
Técnica: Pintura al
temple
Período: Alto
Renacimiento
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
RETRATO DE AGNOLO DONI
Trabajo de arte
El Retrato de Agnolo
Doni es una pintura al óleo de Rafael mesa (65x45 cm), fechado alrededor de
1506 y se conserva en la Galería Palatina de Florencia.
Historia [editar |
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El retrato fue
encargado por el mismo Agnolo Doni, rico comerciante florentino y patrón de las
artes, junto con un retrato de su esposa Maddalena Strozzi, después de casarse
en 1503. El mismo Doni había encargado famosa Tondo Doni de Miguel Ángel, ahora
en los Uffizi.
Los dos retratos,
conservados en el palacio Doni, gracias a la extraordinaria visión que hizo la
escuela, tuvieron un éxito duradero: entre los muchos que Rafael tuvo que
correr en Florencia son los únicos de los que ha transmitido el nombre, ya que
los días de tiempo de Vasari.
La obra permaneció
en poder de los descendientes hasta 1826, cuando fue vendido al Gran Duque
Leopoldo II de Toscana. En comparación con el retrato de su esposa, el retrato
de Agnolo un poco antes.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 63 cm x 45
cm
Ubicación: Palacio
Pitti
Fecha de creación:
1505–1506
Técnica: Pintura al
aceite
Períodos:
Renacimiento italiano, Alto Renacimiento
LA EXPULSIÓN DE ELIODORO DEL TEMPLO
Pintura
La expulsión de
Heliodoro del templo es un fresco del artista Rafael Sanzio; se observa aquí la
intervención de sus ayudantes Penni y Giulio Romano. Fue ejecutado en 1511
–1512 y tiene una anchura en la base de 750 cm.
La expulsión de
Heliodoro del templo (en italiano, Cacciata di Eliodoro dal tempio) es un
fresco del artista Rafael Sanzio; se observa aquí la intervención de sus
ayudantes Penni y Giulio Romano. Fue ejecutado en 1511 –1512 y tiene una
anchura en la base de 750 cm. Es el fresco que da su nombre a la Sala de
Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son
conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la
Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos.
También es conocido
con el nombre de Repulsa de Heliodoro. Queda en la parte derecha de la cámara.
Representa un
milagro narrado en el Segundo libro de los Macabeos, Capítulo 3: 24-34.
Heliodoro el Sirio,
general de Seleuco IV Filopátor, rey de Siria, decidió confiscar el tesoro del
Templo de Jerusalén para las arcas reales. En respuesta a las oraciones del
Sumo Sacerdote Onías, Dios envía a un jinete a caballo, cubierto por una armadura
de oro, que levantó contra él los cascos de su caballo, asistido por dos
jóvenes resplandecientes, que lo golpearon y azotaron. De esta manera,
Heliodoro cayó en tierra, y tuvo que retirarse; después se narra su conversión.
Pretende así
simbolizarse la protección de Dios sobre la Iglesia amenazada en su patrimonio.
Y es clara la alusión a la victoria de Julio II sobre las tropas extranjeras en
Italia (1512) y a la protección sobrenatural que el Papa creyó haber recibido
en la campaña del Adriático. El tema fue elegido personalmente por el Papa
quien tenía además tapices con el mismo tema; al menos, así se dice en la Vida
de Rafael redactada por Giovio.
En el centro del
fresco aparece Onías, Sumo Sacerdote de Jerusalén solo, rezando, pidiendo ayuda
a Yahvé, lo cual logra de manera inmediata.1
La expulsión de
Heliodoro es una representación dramática, recorrida por una rápida corriente
de movimiento: las figuras son empujadas a los lados, en el centro hay una
perspectiva que lleva directamente al horizonte. Rafael quiere el ímpetu del
pathos miguelangelesco pero también mantiene una distancia, la objetividad de
la representación.
A la izquierda,
Julio II, que es la figura con capa roja que está sentado1 asiste a la
expulsión del profanador del templo, que alude alude a la inviolabilidad de las
posesiones de la iglesia y a su propósito de expulsar a los usurpadores: el
fresco tiene por lo tanto dos tiempos distintos, un cuadro en el cuadro. Esto
basta para trasponerla al plano de la representación a aquel otro de la
ficción, del espectáculo teatral. Rafael reafirma así, contra la concepción
miguelangelesca de la historia como tragedia en un acto, su concepción de la
historia como exemplum: la misma perspectiva rápida que apresura el movimiento
de las figuras pone en relación directa al Papa en primer plano con el Sumo
sacerdote que reza en el fondo. Las dos figuras que portan la silla de Julio II
miran directamente hacia afuera, hacia el espectador. La que queda en primer
plano ha sido identificada con el cortesano Giovanni Pietro de Foliariis de
Cremona.1
El movimiento de los
personajes se obtiene mediante un ritmo rápido, pero perfectamente medido, como
si alguno se moviese a lo largo de un trazado prescrito, una coreografía; las
luces, que irrumpen desde lo alto, repitiéndose sobre las curvas de las cúpulas,
son maravillosos efectos de iluminación escénica. La bóveda dorada pone de
manifiesto el dominio que Rafael tenía de la perspectiva.
Cada figura ejecuta
el gesto justo con la precisión técnica de una figura de danza: cuanto más
rápido es el ritmo, mayor la bravura. La ficción escénica no es revelación,
sino imaginación; y la imaginación no es mera fantasía, sino una reconstrucción
histórica, que el artista organiza.
Al desdoblamiento de
planos (representación – ficción) se corresponde un desdoblamiento en el propio
interior de la imagen: así con el gesto ofrece el esquema de ese gesto, junto
al movimiento da el mecanismo del movimiento, con la luz, el artificio de la
iluminación, con la expresión de los rostros su justificación psicológica e
incluso la categoría de los sentimientos expresados.
Ficha Técncia
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Estancias
de Rafael
Tema: Heliodorus
Fecha de creación:
1511–1512
Período: Alto
Renacimiento
Género: Pintura de
historia
SALA DE ELIODORO
La sala de Eliodoro
es una de las salas de habitaciones disponibles de Raphael en los museos del
Vaticano. Fue el segundo para ser decorado de Raffaello Sanzio, entre 1511 y
1514.
Historia
Julio II en la misa
de Bolsena
Mientras que el
Heliodoro estaba casi terminado, Raphael, en el verano de 1511, empezó a
desarrollar diseños para la decoración de la habitación de al lado, con destino
a la audiencia de habitaciones. En junio, el Papa había regresado a Roma
después de una desastrosa campaña militar contra los franceses, que habían dado
lugar a la pérdida de Bolonia y la continua amenaza de los ejércitos
extranjeros en la península .
En ese momento de
incertidumbre política que se decidió un programa decorativo que pone de
relieve la protección otorgada por Dios a su Iglesia, en algunos momentos de su
historia, que describe las intervenciones milagrosas contra los enemigos
internos y externos, y confiando en la adoración de la Eucaristía,
especialmente querido por el Papa .
La decoración se
llevó a cabo entre la segunda mitad de 1511 y 1514, con un pago final, el
Sanzio, de fecha 1 de agosto de 1514. A partir de esta empresa el uso de la
ayuda se está convirtiendo cada vez más importante, el aumento de la autoría
pregunta de las diferentes canciones pictóricas. A partir de los dibujos
preparatorios varios cambios observados en las escenas, sobre todo en relación
con el descuento de la misma en el seguimiento del desarrollo de los
acontecimientos, entre 1511 y 1512, con la inversión de alianzas y el triunfo
temporal del Papa: esto es cuando Julio II se añade como un espectador en la
escena Heliodoro y aquí se representa más claramente en la misa de Bolsena
Ficha Técncia
Artista: Rafael
Sanzio
SAN SEBASTIAN
Pintura
San Sebastián es una
pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que data
alrededor de 1501-1502. Es una pintura al óleo con unas dimensiones de 43
centímetros de alto y 34 cm. de ancho.
San Sebastián (en
italiano San Sebastiano) es una pintura del artista del Alto Renacimiento
italiano Rafael Sanzio, que data alrededor de 1501-1502. Es una pintura al óleo
con unas dimensiones de 43 centímetros de alto y 34 cm. de ancho. Se conserva
en la Accademia Carrara de Bérgamo, Italia.
La pintura aparece
sucesivamente en la colección Zurla de Crema, luego al grabador Giuseppe Longhi
y desde 1836 al conde Guglielmo Lochis que lo dio a su actual sede en el año
1866.
Imagen sagrada
destinada a la devoción privada es reconocida como obra de Rafael al inicio del
periodo florentino. El cuadro presenta ligeras variaciones en relación con los
motivos de Perugino. En esta pintura las graciosas posturas peruginescas y la
brumosa transparencia del color característico de Francesco Francia, se
fusionan de tal modo que indica claramente la presencia de Rafael. Su habilidad
para componer formas claras y equilibradas se hará típica desde esta obra en
adelante, lo mismo que la discreta y armoniosa destilación de los elementos
formales de otros pintores en la visión clara y serena que parece
característica de su temperamento artístico.
Sebastián sostiene
una flecha, el símbolo de su martirio, con el dedo meñique elegantemente
alzado. Luce una magnífica capa roja y una camisa bordada de oro, con el
cabello elegantemente peinado, no hay nada en esta figura que recuerde los
tormentos que sufrió San Sebastián por su fe. Es una obra temprana típica,
unánimemente atribuida a Rafael y, en su belleza ornamental y tono elegíaco,
recuerda mucho a las obras de Perugino. El paisaje y el aspecto femenino de San
Sebastián son influencia de Perugino, pero la mano emergente con la flecha hace
pensar en un conocimiento de Leonardo. La construcción de la imagen en elipses
entrecruzadas es totalmente rafaelesca.
Ficha Técncia
Artista: Rafael
Sanzio
Tema: Sebastián
Fecha de creación:
1502
Técnica: Pintura al
aceite
Período:
Renacimiento
PEQUEÑA COWPER MADONNA
Trabajo de arte
El pequeño Cowper
Madonna es una pintura del alto artista italiano Raphael del renacimiento,
representando a Maria ya niño, en un campo italiano típico. Se ha fechado
alrededor de 1505, el medio del alto
renacimiento
Historia
No se sabe
exactamente por qué se pintó la Virgen Pequeña Cowper. Era probablemente una
comisión privada [2] o para el mercado general del arte; Las imágenes de la
Virgen y el Niño se daban a menudo como regalos de boda. [3] Se piensa
extensamente que la iglesia en el lado derecho de la pintura es la iglesia de
San Bernardino, [4] donde los duques de Urbino (donde Raphael nació [5]) fueron
enterrados, y se ha sugerido que la presencia De la iglesia significa que la
pintura pudo haber sido "comisionada por la familia con fines
devocionales". [6] Al mismo tiempo, podría ser Rafael dibujando los
recuerdos de la iglesia, que habría estado cerca de donde creció en Urbino .
Descripción
Sentado en el centro
de la obra en un vestido rojo brillante es la Madonna. Ella es de piel clara
con el pelo rubio. Se sienta cómodamente en un banco de madera. A través de su
regazo hay una cortina oscura en la que su mano derecha se sienta delicadamente.
Parece que hay una cinta translúcida que fluye elegantemente a través de la
parte superior de su vestido y detrás de su cabeza. El más débil halo de oro
rodea milagrosamente su cabeza. En su mano izquierda sostiene al bebé Cristo,
quien la abraza con un brazo alrededor de su espalda, el otro alrededor de su
cuello. Él, un niño innegablemente precioso, mira hacia atrás sobre su hombro
con una sonrisa tímida. Detrás de ellos, un día muy claro y brillante se
desarrolla. En la distancia dos figuras parecen estar caminando hacia un
estanque reflexivo, disfrutando del paisaje verde que los rodea. Una estructura
grande y muy impresionante se encuentra al final de un largo camino, que se
podría presumir de ser una iglesia católica. Su cúpula y otros elementos
estructurales comunes de la arquitectura católica agregan a la ya omnipresente
atmósfera de divinidad y gracia religiosa.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 60 cm x 44
cm
Ubicación: Galería
Nacional de Arte
Tema: Madonna
Fecha de creación:
1505
Técnica: Pintura,
Pintura sobre tabla, Pintura al aceite
CREACIÓN DEL MUNDO
Pintura
La creación del
mundo es un mosaico en la cúpula de la capilla de Chigi en Santa María del
Popolo, Roma, diseñado por Raphael.
La capilla Chigi en
Santa María del Popolo fue diseñada por Rafael para su amigo y patrón, el
banquero Agostino Chigi como una capilla privada y lugar de entierro de la
familia. La cúpula estaba decorada con mosaicos, una técnica algo inusual y
anticuada en el siglo XVI. Las caricaturas de Raphael fueron ejecutadas por un
artesano veneciano, Luigi di Pace en 1516.
Los paneles de
mosaico están situados entre los estucos de oro de la cúpula. Siete imágenes
muestran las personificaciones de los seis planetas conocidos y un zodíaco
delante del fondo azul. Cada planeta es sostenido por ángeles alados. El panel
de los eights representa el cielo estrellado de la estrella, sostenido también
por un ángel.
En el medaillon
central podemos ver a Dios en el acto de crear el Mundo. La figura central está
rodeada de putti juguetón. El mosaico se asemeja al famoso fresco de Miguel
Ángel en la Capilla Sixtina, la Creación que fue pintada sólo cinco años antes
de los mosaicos de Chigi de Rafael, y ciertamente inspiró al artista.
Los mosaicos de la
Capilla de Chigi son las únicas obras de mosaico conocidas de Rafael y ejemplos
notables de arte del mosaico del Alto Renacimiento
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1516
LIBERACIÓN DE SAN PEDRO
Pintura
La liberación de san
Pedro (en italiano, La liberazione di San Pietro) es un fresco del artista
Rafael Sanzio y su ayudante Giulio Romano. Fue pintado en 1514.
Tiene una anchura en
la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di
Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las
estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del
Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos.
Está en una de las
paredes de la estancia que tiene una ventana.
Representa la
liberación de San Pedro de la cárcel de Agripa I el Grande (10 a. C.-44DC), al
que el Nuevo Testamento llama Herodes, por un ángel, tal como está narrada en
los Hechos de los Apóstoles, capítulo 12:7-10. Al mismo relato se consagró la
basílica de San Pietro in Vincoli, iglesia de la que había sido cardenal
titular el Papa Julio II. Fue en esa misma iglesia en la que el Papa dio las
gracias después de haber expulsado a los franceses de Italia (1512).
Se relata en tres
escenas distintas: en el centro se ve al ángel despertar al santo y romper sus
cadenas, mientras los soldados no pueden hacer nada por evitarlo; a la derecha
cómo escapan ambos mientras los soldados están dormidos, y en la izquierda los
soldados que se despiertan para perseguirlos. San Pedro tiene las facciones del
papa Julio II. Con ello se pretende representar la milagrosa protección
concedida por Dios a la Iglesia amenazada la persona del pontífice.
Destaca de este
fresco la luz: débil aquella de la luna y resplandeciente la del ángel, que se
suma a aquella natural que proviene de la ventana (real) inferior.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Estancias
de Rafael
Tema: San Pedro
Fecha de creación:
1514
Período: Alto
Renacimiento
Géneros: Arte
cristiano, Pintura de historia
VIRGEN DE LA ROSA
Cuadro
La Virgen de la rosa
(o Sagrada Familia con San Juanito) es un cuadro de Rafael Sanzio pintado hacia
1520 que se conserva en el museo del Prado. Hasta fecha reciente se creía
pintado sobre lienzo, pero en realidad Rafael lo pintó sobre tabla y luego fue transferido
a un soporte de lienzo, al igual que se hizo con otras obras del artista
durante el siglo XIX.
Se trata de una
Sagrada Familia con el Niño Jesús en brazos de la Virgen María. San Juan
Bautista niño ofrece a Jesús una filacteria donde figura la frase «He aquí el
Cordero de Dios» en latín, que alude a la pasión de Cristo. Toda la escena es
contemplada por San José. Tanto José como María miran con tristeza, previendo
el sufrimiento de Jesús y la degollación de Juan Bautista, mientras que San
Juanito y el Niñó Jesús (ajenos a estos presagios), adoptan un gesto alegre.
El sobrenombre de
esta obra proviene de la flor que hay sobre la mesa, que en realidad es una
adición al igual que la misma mesa y parte del pie del Niño; en alguna ocasión
se ha atribuido dicha franja añadida a Vicente López. No se sabe cuándo llegó
la obra a España, si bien se cita en 1667 como obra del Escorial.
La Virgen de los
husos, una obra perdida de Leonardo da Vinci, influyó en la composición de esta
Sagrada Familia con San Juanito rafaelesca. El tratamiento de la luz, muy
contrastado, anuncia el tenebrismo caravaggiesco. Cromáticamente es una obra de
gran riqueza, donde destacan azules, rosas y verdes. La técnica aplicada a los
tejidos es notable, sobre todo en la veladura del cendal que cubre cabeza y
hombros de la Virgen, cuyo torso ondula en contraposto. Los gestos son
dinámicos, especialmente en la relación que se establece entre Jesús y San
Juan.
Como otras obras
rafaelescas de época tardía, su verdadera autoría ha sido motivo de debate; se
pensaba que el diseño era de Rafael pero que había sido pintado por un
ayudante. La última catalogación de los expertos Tom Henry y Paul Joannides
avala la autoría casi total de Rafael; ellos destacan por su calidad detalles
como la manga rosada de la Virgen y la cabellera de ambos niños. Por el
contrario, la parte baja de los ropajes de la Virgen, la creen demasiado rígida
para ser de Rafael.
Ficha TécnIcia
Artistas: Rafael
Sanzio, Giulio Romano
Tamaño: 1.03 m x 84
cm
Ubicación: Museo del
Prado
Tema: Madonna
Fecha de creación:
1518
Técnica: Pintura al
aceite
AUTORETRATO CON UN AMIGO
Obra artística
El Autorretrato con
un amigo es una obra por el artista italiano del Alto Renacimiento, Rafael
Sanzio. Se data a los años 1518-1520, y se encuentra hoy en el Museo del Louvre
en Paris, Francia.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 99 cm x 83
cm
Ubicación: Museo del
Louvre
Tema: Rafael Sanzio
Fecha de creación:
1520
Técnica: Pintura al
aceite
MUJER JOVEN CON
UNICORNIO
Trabajo de arte
La mujer joven con
unicornio es una pintura al óleo por el vector que Raphael (65x51 cm), que data
de 1505 a 1506 y almacenada en la Galleria Borghese de Roma.
Historia [editar
El trabajo es citado
en los inventarios Borghese de 1760, con distintas potencias. En 1916 Giulio
Cantalamessa reconoció por primera vez el proyecto de ley diferente de algunas
partes de la pintura, lo que resultó en efectos añadidos más tarde.
Antes de que una
restauración de 1935 , presentada el repintado de trabajo, probablemente debido
al mal estado de conservación, que interpretó a la mujer representada con los
atributos de Santa Catalina de Alejandría [2]: la velocidad y la palma. manos e
incluso la capa pertenecían a una mano diferente y próxima en comparación con
la pintura original. A esta crítica antes de la restauración era muy atribución
incierta, con los supuestos que tenían los nombres de Perugino (Piancastelli,
1891), por Ridolfo del Ghirlandaio (Morelli, 1874), de Francesco Granacci
(Berenson), de Andrea del Sarto (Adolfo Venturi, con dudas, 1893). Cantalamessa
entonces Longhi (1928), sin embargo, reafirmó la atribución a Raphael, confirmó
sustancialmente después del redescubrimiento del tema original.
Las radiografías
realizadas en la pintura han demostrado que en un principio el lugar del
unicornio (o "unicornio"), símbolo de la pureza virginal, la mujer
estaba sosteniendo un perro, símbolo de la fidelidad conyugal . Ortolani poner
la pintura en relación con un dibujo en el Louvre, que propone a identificar a
la mujer retratada en Maddalena Strozzi, esposa de Agnolo Doni, de los cuales,
sin embargo, está mejor documentado el retrato en los Uffizi, las diferentes
características.
Descripción y estilo
El retrato muestra a
una mujer de medio cuerpo sentado frente a una especie de terraza con columnas,
que se puede ver el parapeto de corte en la mitad de un paisaje del lago en el
fondo.
Se trata de una
chica sentada, con el torso girado en tres cuartos a la izquierda, y la cara
mirando desde el frente hacia el observador. El modelo de referencia es sin
duda Leonardo da Vinci, para la colocación, ojos intensos y las manos que
sujetan al animal como la dama del armiño, sin embargo mundo simbólico y
evocador de Florentino pintor Rafael sustituye efigie de sobria, decidió
elegancia, centrándose en la atención a los detalles y la armonía general.
La ropa es la de un
joven noble, con un vestido de corte bajo grandes mangas desmontables cordones,
casi idéntica a la de la embarazada con el Palacio Pitti. El cabello es rubio,
largo y fluido, con una pequeña diadema en la frente y un peinado que enmarca
la cara, posiblemente mediante la vinculación de un par de hilos en la parte
posterior. Los ojos son de color azul y se volvieron hacia el exterior. La cara
es ovalada. Cuello lleva una cadena de oro anudado con un colgante llamativo
con rubí y una gota de perlas.
En sus brazos
sostiene un pequeño, símbolo de pureza virginal unicornio, ya que, en la
mitología, que fueron domesticados solamente por las vírgenes.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Galería
Borghese
Fecha de creación:
1506
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Género: Retrato
VIRGEN DE LA CASA DE ALBA
Pintura
La Virgen de la Casa
de Alba es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que
data de 1511. Es una pintura al óleo sobre tabla, que fue transferido a lienzo,
de forma redonda con un diámetro de 98 centímetros.
La Virgen de la Casa
de Alba es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que
data de 1511. Es una pintura al óleo sobre tabla, que fue transferido a lienzo,
de forma redonda con un diámetro de 98 centímetros. Se conserva en la Galería
Nacional de Arte de Washington D. C., Estados Unidos.
Esta Virgen fue un
encargo de Paolo Giovio quien pensaba enviarla a la iglesia de los Olivetanos
en Nocera dei Pagani. En el siglo XVIII, la pintura perteneció a la española
Casa de Alba, cuyo nombre lleva. En 1836 fue adquirida por Nicolás I de Rusia,
quien hizo de ella uno de los platos fuertes del Museo Imperial del Hermitage
en San Petersburgo. Un siglo después, el gobierno soviético la vendió
clandestinamente a Andrew W. Mellon, quien donó su colección a la Galería
Nacional de Arte de Washington D. C., donde puede verse hoy en día.
Representa a la
Virgen, el Niño Jesús y Juan el Bautista, en un paisaje campestre típicamente
italiano. San Juan Bautista sostiene una cruz hacia Jesús, que el niño está
agarrando. Las tres figuras miran fijamente a la cruz. La tres están agrupadas
en la parte izquierda del diseño circular, pero el brazo estirado de la Virgen
y el material flotante de su capa equilibran la imagen. Reminiscencias del
Tondo Doni de Miguel Ángel pueden verse en la concepción hercúlea de la figura
de la Virgen, y en cierta dureza en el tratamiento de los paños. Sin embargo,
los rostros y, sobre todo, las figuras infantiles, muestran la dulzura típica
del arte de Rafael.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Galería
Nacional de Arte
Fecha de creación:
1510
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
Técnica: Pintura,
Pintura al aceite, Cañamazo
Períodos:
Renacimiento italiano, Alto Renacimiento, Renacimiento
ESTERHAZY MADONNA
Trabajo de arte
El Esterhazy Madonna
es una pintura al óleo sobre tabla (29x21,5 cm) de Raffaello Sanzio, que data
de 1508 y almacenada en el Szépmüvészeti Múzeum de Budapest.
Historia
Una nota en la parte
trasera recuerda que la obra fue donada por Clemente XI emperatriz Isabel
Cristina de Brunswick-Wolfenbüttel. En un momento desconocido entre 1721 y
1812, la pintura pasó a la familia Esterhazy.
El trabajo fue
robado en la noche del 5 de noviembre de 1983, junto con otras obras de Rafael,
Giorgione, Tintoretto y Tiepolo: todas las obras, incluyendo el Esterhazy
Madonna, fueron recuperados por los Carabinieri italianos en un convento
abandonado griego en el pueblo de Eghjon.
Descripción y estilo
La obra representa
la Virgen con el Niño en longitud en reposo en una roca, mientras que él se
inclina hacia San Juan Bautista niño, a la izquierda, la intención de descifrar
el mensaje en un libro, el fondo de un paisaje. La presencia de restos romanos en
el fondo, que recuerda al Templo de Vespasiano en el Foro Romano, no está
presente en el dibujo preparatorio para el Gabinete de Dibujos y Grabados de
los Uffizi, pensaba que la obra fue concebida en Florencia y ejecutado
inmediatamente después ' la llegada del pintor en Roma.
El precario estado
de conservación también se pensó en una obra inacabada (Berenson).
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo de
Bellas Artes de Budapest
Fecha de creación:
1503–1508
Período: Alto
Renacimiento
Género: Arte
cristiano
Técnica: Pintura al
temple, Pintura al aceite
MADONNA DE CASA TEMPI
Pintura
Madonna de la Casa
Tempi es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data
de 1508. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 75
centímetros de alto y 51 cm. de ancho.
Madonna de la Casa
Tempi (en italiano Madonna Tempi) es una pintura del artista renacentista
italiano Rafael Sanzio, que data de 1508. Es una pintura al óleo sobre tabla
con unas dimensiones de 75 centímetros de alto y 51 cm. de ancho. Se conserva
en la Alte Pinakothek de Múnich, Alemania.
Esta Virgen con Niño
fue pintada para la familia Tempi. Posteriormente, fue comprada por Luis I de
Baviera, en 1829. Se encuentra entre las obras de Rafael ejecutadas después del
contacto del pintor con el arte florentino.
La pintura expresa
un fuerte sentimiento de ansiosa maternidad, enriquecido por una gran
conciencia. La Virgen sostiene al Niño Jesús muy cerca de ella, y con gran
ternura. Sólo tiene ojos para él, pero el Niño mira al espectador, y de esta
manera lo atrae a la escena íntima. El color rápidamente aplicado sobre el
velo, donde la pintura ha sido modelada con pinceladas mientras aún estaba
húmeda, muestra a Rafael usando materiales con mayor libertad que en sus
pinturas sobre tabla precedentes.
Las dos figuras
están concebidas como un solo grupo, y este hecho domina el impacto visual de
la escena. Los único elementos naturales son una tira de paisaje y el cielo
azul claro en el fondo. El manto hinchado de la Virgen pretende indicar
movimiento. La síntesis extrema de los campos de color indica la idealización
de Rafael sobre el tema. Pero la necesidad del pintor de belleza formal y
realidad emocional en el tema tratado se reconcilian sobre todo a través de la
tierna relación entra la Madre y el Hijo.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación:
Pinacoteca Antigua de Múnich
Fecha de creación:
1508
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
SAN MIGUEL
Pintura
San Miguel y el
Dragón y San Miguel matando al dragón o Le Petit San Miguel es una pintura al
óleo (31 × 26 cm) de Rafael, realizado en el período 1503-1505, el Museo del
Louvre, París.
Historia [editar
El cuadro fue
pintado probablemente para el Duque de Urbino, Guidobaldo I de Montefeltro1 o
Giovanna Feltria della Rovere en la parte posterior de un tablero de ajedrez y,
probablemente, encargado especialmente para el rey Luis XII de Francia en
reconocimiento de la Orden de San Michel François Marie discerní della Rovere2.
El trabajo se cita
por primera vez junto con el San Jorge y el dragón también en el Louvre, en un
soneto del poeta Giovanni Paolo Lomazzo. Analogías con el tema y dimensiones
entre las dos tablas se han de pensar que los dos cuadros eran probablemente parte
de un diptyque3.
Nos encontramos con
la mesa en 1548 en la colección del castillo de Fontainebleau y el cardenal
Mazarino (1661), y luego en las de Royal Louis XIV antes de finalmente unirse
al Louvre (1683).
La datación de la
obra es un poco antes que el Saint Georges.
Un poco más de una
década después de completar el Petit San Miguel, Raphael fue encargado por el
Papa León X para revisar el tema, y darse cuenta de San Miguel que vence a
Satanás (llamado Grand St. Michel) (1518) en el Museo Louvre 4.
Ficha Técncia
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo del
Louvre
Fecha de creación:
1504
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Género: Arte
cristiano
MADONNA WITCh BEARDLESS St. JOSEPH
Trabajo de arte
Rafael pintó esta
Sagrada Familia durante su estancia en Florencia, posiblemente para el
gobernante de Urbino, Guidobaldo Montefeltro. Con su humor de dolor sublime, en
este cuadro nada prosaico o banal sería ajeno a los héroes, sin embargo esto no
les priva de un sentimiento de naturalidad. Las líneas suaves, la armoniosa
combinación de colores y la composición compacta contribuyen a crear un sentido
de monumentalidad y grandeza. El suave claroscuro que modela las formas es
prueba de la influencia de Leonardo da Vinci en el joven artista.
Esta es una de las
versiones de Rafael de la Sagrada Familia. Su peculiaridad es la imberbe
representación del tradicionalmente barbudo San José. Se puede suponer que ésta
es una de las dos pinturas, mencionadas por Vasari, que fueron ejecutadas en
Urbino por Guidobaldo da Montrefeltro.
La forma en que se
representa a José en esta obra, claramente individual e inusual para la
iconografía del santo, dio lugar a sugerencias que Rafael describió a uno de
sus contemporáneos. Más probable, sin embargo, se inspiró en las
representaciones de viejos producidos por Leonardo da Vinci.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo del
Hermitage
Fecha de creación:
1506
Período: Alto
Renacimiento
Género: Arte
cristiano
MaDoNNA Y EL NIÑO
CON EL LIBRO
Trabajo de arte
Nuestra Señora de
Pasadena es una pintura al óleo sobre lienzo (55x40 cm) de Raffaello Sanzio,
que data de alrededor de 1503 y se mantuvo en el Norton Simon Museum of Art de
Pasadena.
Descripción y estilo
La Virgen es como
"lectura" y tiene muchas similitudes con otras Madonnas de Rafael de
la juventud, derivados de prototipos de Perugino, como la Virgen y la Virgen
Solly Constable. En comparación con la primera muestra una cierta madurez del
estilo, con las caras más dulces, los movimientos más sueltos y una mejor
integración de la figura en el paisaje.
María sentada es
retratado figura de medio cuerpo con el bebé en el regazo. En medio de una
línea de pintura, probablemente de un parapeto, dejando espacio en la parte
superior de un paisaje del lago con un castillo, colinas y árboles.
El trabajo muestra
una sencillez austera, y la combinación de colores revela el esplendor y la
profundidad del claroscuro atribuible al joven Rafael.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo
Norton Simon
Fecha de creación:
1502–1503
Técnica: Pintura al
aceite
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
RETRATO DE BINDO AlLTOVITI
Pintura
Retrato de Bindo
Altoviti es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio,
acabada hacia el año 1514. Es una pintura al óleo sobre tablilla con unas
dimensiones de 60 centímetros de alto y 44 cm de ancho.
Retrato de Bindo
Altoviti (en italiano Ritratto di Bindo Altoviti) es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, acabada hacia el año 1514. Es una pintura
al óleo sobre tablilla con unas dimensiones de 60 centímetros de alto y 44 cm
de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.,
Estados Unidos.
Historia
Bindo Altoviti era
un rico banquero nacido en Roma en 1491, pero de origen florentino. Su familia
fue expulsada de Florencia por la oposición al dominio de los Médicis y
encontró refugio en Roma. Era un hombre cultivado, amante de las artes. Este
mismo personaje sería efigiado nuevamente, ya mayor, por Cellini, en un busto
de bronce (Museo Isabella Stewart Gardner de Boston).
Esta pintura
perteneció a los descendientes de Altoviti hasta que en el año 1808 fue vendida
a Luis I de Baviera. Permaneció en la Alte Pinakothek hasta el año 1936,
cuando, después de muchos debates sobre su autoría, fue sacado mediante
triquiñuelas de la Alemania nazi por «astutos marchantes ingleses».1 Adquirida
por Samuel Kress, el retrato pasó en consecuencia a ser propiedad de la Galería
Nacional de Arte de Washington.
Análisis
La posición del
sujeto, graciosa, casi afeminada, junto al fuerte contraste de luces y sombras
son atípicos en la obra de Rafael, particularmente en sus retratos masculinos,
demostrando la experimentación del artista con diferentes estilos y formas en
su último periodo romano. La influencia de las obras de Leonardo, que Rafael
estudió detalladamente durante este periodo de su carrera, es muy evidente en
esta pieza en particular.
Ficha Técncia
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 60 cm x 44
cm
Ubicación: Galería
Nacional de Arte
Tema: Bindo Altoviti
Fecha de creación:
1515
Técnica: Pintura,
Madera, Pintura al aceite
RETRATO CARDENAL
Pintura
Retrato de cardenal
o El Cardenal, es una de las obras más conocidas del pintor italiano Rafael
Sanzio. Es un óleo sobre tabla, pintado hacia el año 1510. Mide 79 cm de alto y
61 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
Retrato de cardenal
o El Cardenal, es una de las obras más conocidas del pintor italiano Rafael
Sanzio. Es un óleo sobre tabla, pintado hacia el año 1510. Mide 79 cm de alto y
61 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
Fue pintado durante
el papado de Julio II, cuando Rafael disfrutaba de gran éxito, realizando
retratos de los diversos miembros de la curia. La identidad exacta del
personaje permanece anónima, aunque se han avanzado diversas hipótesis.
Es un retrato de
composición sobria pero muy meditada. El retratado se muestra de medio cuerpo,
con sus ropas de cardenal representadas minuciosamente, con gran realismo, en
particular la seda de la muceta, con brillos tornasolados. La posición del
brazo, como apoyado en el pomo de un sillón que no se ve, da mayor solidez al
diseño: el blanco del tejido subraya el rojo de la seda, y la mano avanza hacia
el espectador en escorzo, ayudando al efecto de profundidad. El rostro muestra
una personalidad reflexiva y reservada, con una gran seguridad en sí mismo; «la
mirada resulta un tanto profunda y, a pesar de la dureza que intenta
transmitir, posee ciertos rasgos afables».1 Se detectan retoques en la posición
de los ojos; rayos X han desvelado que el cabello era inicialmente más largo y
que Rafael lo modificó. El color predominante es el rojo del vestido que
destaca sobre fondo oscuro, casi negro. Del mismo color es el birrete del
cardenal.
El cuadro representa
a un cardenal, seguramente miembro de la corte papal de Julio II. No ha sido
identificado con seguridad, a pesar de la numerosas suposiciones de los
estudiosos, que han visto en él a Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo,
Francesco Alidosi, Scaramuccia Trivulzio, Alejandro Farnese, Bandinello Sauli,
Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner o Luigi
d'Aragona. El mismo personaje aparece también en La disputa del Sacramento, del
mismo autor.
Este tipo de retrato
influyó en artistas posteriores como Tiziano y otros pintores de la escuela
veneciana. Muestra notable fuerza psicológica, aunque es ambiguo y ello
dificulta interpretar la mirada como astuta o inteligente.
Aunque no hay
certeza documental, es bastante probable que perteneciera a un grupo de
pinturas, extraídas por los franceses del Vaticano en 1797 tras el Tratado de
Tolentino, que el rey Carlos IV compró en 1803.4 Llegó a la colección real
española bajo la atribución a Antonio Moro, justificada por la técnica
minuciosa, que parecía inusual en Rafael, y sobre todo porque en España se
desconocía su labor como retratista. Posteriormente ingresó en el Museo del
Prado.
Ficha Técncia
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 79 cm x 61
cm
Ubicación: Museo del
Prado
Fecha de creación:
1510
Técnica: Pintura al
aceite
Género: Retrato
CARTONES DE RAFAEL
Pintura
Los llamados
Cartones de Rafael son un grupo de siete grandes modelos para tapices,
diseñados por el pintor del Renacimiento Rafael Sanzio para la Capilla Sixtina
del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y actualmente conservados en
Londres.
Los llamados
Cartones de Rafael son un grupo de siete grandes modelos para tapices,
diseñados por el pintor del Renacimiento Rafael Sanzio para la Capilla Sixtina
del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y actualmente conservados en
Londres. Ilustran escenas bíblicas, conocidas como Los Hechos de los Apóstoles.
Del grupo originario de diez cartones diseñados en 1515-1516,1 subsisten los
siete que desde el siglo XVII pertenecen a la Royal Collection del Reino Unido.
Isabel II de Inglaterra los mantiene en préstamo en el Victoria and Albert
Museum de Londres. Los tapices tejidos según dichos cartones se exhiben en los
Museos Vaticanos, si bien no en la Capilla Sixtina.
Estas pinturas de
formato monumental (3 metros de alto y de 3 a 5 de largo), con figuras a tamaño
mayor que el natural, se llaman «cartones» porque esta palabra se aplica en
Arte a los modelos o plantillas empleados en el tejido de tapices y alfombras.
No se idearon como cuadros para ser colgados, sino como patrones para fabricar
tapices con las mismas imágenes. Goya pintaría cartones de manera similar en el
siglo XVIII. Los cartones de Londres y los tapices definitivos del Vaticano
coinciden en tamaño, pero los primeros muestran las imágenes invertidas porque
los tapices se tejen por el reverso; Rafael debió de tener en cuenta esta
condición técnica al pensar las escenas.
Los tapices de Los
Hechos de los Apóstoles fueron encargados por el papa León X para engalanar la
Capilla Sixtina, si bien no se exhiben de manera permanente en ella pues se
pensaron como ornamento especial para grandes festividades. Fueron robados
durante el Saqueo de Roma (1527) y devueltos posteriormente. Se exhiben en otra
sala dentro de los Museos Vaticanos y sólo en ocasiones especiales se cuelgan
en la Capilla Sixtina. Existen más ejemplares de los tapices, que ahora se
hallan dispersos en diversos países.
Esta serie de
imágenes alcanzó enorme fama, mayormente por su reproducción en grabados. Al
igual que Durero, Rafael se sirvió de las estampas para promocionar su arte, y
Los Hechos de los Apóstoles tuvieron así una rápida difusión. Alcanzaron tal
fama que rivalizaron con los frescos de Miguel Ángel, y en el siglo XIX fueron
denominados «El Partenón del arte moderno».
FICHA TÉCNCIA
Artista: Rafael
Sanzio
Tamaño: 7
Ubicación: Museo del
Prado
Fecha de creación:
Técnica: Pintura al
aceite
Género: Retrato
TERRANOVA MADONNA
Trabajo de arte
Madonna Terranuova
es una pintura al óleo por el vector que Raphael (diámetro 87 cm), fechado
alrededor de 1504 a 1505 y almacenada en la Gemäldegalerie de Berlín.
Historia
El trabajo debe su
nombre a Terranova Duques, que lo mantuvo hasta 1854, cuando pasó a manos de
los museos de Berlín.
La atribución a
Raphael es indiscutible, mientras que la fecha está vinculada a las
comparaciones estilísticas, que se unen al comienzo de la estancia del artista
en Florencia, entre los últimos meses de 1504 y el primero de 1505.
Descripción y estilo
La figura de la
ronda, tan popular en el arte florentino del siglo, es llenado por el artista
con la Virgen en el centro, sentado con las piernas cortadas, que sostiene al
bebé en su regazo, atrapado en un giro que muestra semi-reclinada, mientras se
vuelve a San Juan de la izquierda; otro niño equilibrar la composición a la
derecha. Los tres querubines aparecen conectados con ritmos y pausas, a lo
largo de una horizontal y paralela al un extremo del horizonte. El
entrelazamiento gestos vivos y de miradas entre los personajes, estudiados en
su estado natural, recuerda las obras de Leonardo da Vinci, que tuvo una
influencia considerable en el joven artista al comienzo del periodo florentino.
El maestro de Vinci
ver el mismo paisaje, el más estudiado y todas las vírgenes que preceden, con
rocas afiladas en la derecha que parecen dominar un valle o al menos un pase
para que se inclina hasta el paisaje abajo a la izquierda, enmarcando el sujeto
en primer plano.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museos
Estatales de Berlín
Tema: Madonna
Fecha de creación:
1505
Técnica: Pintura,
Madera, Pintura al aceite
Períodos:
Renacimiento italiano, Alto Renacimiento, Renacimiento
SAN JORGE
Pintura
San Jorge o San
Jorge y el dragón es una pequeña pintura del artista del Alto Renacimiento
italiano Rafael Sanzio, que data del año 1504. Es una pintura al óleo sobre
tabla con unas dimensiones de 31 centímetros de alto y 27 cm. de ancho.
San Jorge o San
Jorge y el dragón (en italiano San Giorgio e il drago) es una pequeña pintura
del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, que data del año
1504. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 31 centímetros
de alto y 27 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de París,
Francia, donde se exhibe con el título de Saint Georges luttant avec le dragon.
Se ha señalado como
posible comitente de la obra al duque de Urbino, Guidolbaldo da Montefeltro,
hijo de Federico da Montefeltro. El cuadro perteneció al cardenal Ascanio
Sforza, pasó después al cardenal Mazarino, que lo exhibía, a modo de díptico,
junto a un Pequeño san Miguel, también en el Louvre. En 1661 pasó a las las
colecciones del rey Luis XIV.
Rafael representa a
San Jorge montado en su caballo decidido a golpear al dragón con su espada.
Anteriormente, el santo ha acometido con su lanza al dragón, haciéndose ésta
pedazos, lo que se evidencia por un trozo de lanza que el animal tiene clavado
en el pecho, quedando los demás trozos dispersos por el suelo en diferentes
direcciones. En un segundo plano puede verse a la princesa huyendo. La armadura
del guerrero está pintada con gran detalle, recordando un poco al arte de las
miniaturas.
Consigue imprimir
movimiento gracias a la cabriola del caballo, en escorzo, y la postura del
dragón.
La perspectiva y
sensación de profundidad se logra con los tres trozos de lanza que yacen en el
suelo.
Una versión
posterior del mismo tema es el San Jorge en la Galería Nacional de Arte en
Washington, DC.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museo del
Louvre
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
Género: Arte
cristiano
VIRGEN SOLLY
Pintura
La Virgen Solly es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, pintada en algún momento entre 1500 y 1504.
Características
Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 52 centímetros de alto y 38 cm. de ancho. Se conserva en los Staatliche Museen, Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. El título de «Madonna Solly» proviene de que perteneció al banquero y coleccionista de arte inglés Edward Solly (1776-1848). La Virgen sigue el tipo iconográfico que Rafael cultivaría con mucho éxito, y que viene a ser una reducción de la Sacra Conversazione tan de moda en el Renacimiento temprano. La Virgen María, que lee un libro, sostiene en sus brazos a Jesús, que se entretiene jugando con un pajarillo mientras atisba el volumen que lee su Madre, en un gesto típicamente infantil. Ambos se sitúan en un paisaje arbóreo muy brevemente descrito, y muestran rostros severos y melancólicos, contradictorios en apariencia con el ambiente de juego infantil y de serena naturaleza que los rodea.
Las figuras son más pesadas y rotundas de lo habitual en el artista, y las vestiduras y el fondo aparecen esquematizados. Todo ello corresponde claramente con el estilo de Perugino, su maestro, cuyo influjo fue muy patente en la primera etapa del arte de Rafael.
Ficha Técnica
Artista: Rafael Sanzio
Ubicación: Gemäldegalerie de Berlín
Fecha de creación: 1500–1504
Técnica: Pintura al aceite
Período: Alto Renacimiento
Tema: María, Madonna
MADONNA DE
FOLIGNO
Pintura
Esta Virgen con el
Niño y los santos Juan el Bautista, Francisco, Jerónimo y el donante Sigismondo
de’ Conti, conocida como Madona de Foligno es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de hacia 1512.
Esta Virgen con el
Niño y los santos Juan el Bautista, Francisco, Jerónimo y el donante Sigismondo
de’ Conti (Madonna con il Bambino e Santi Giovanni Battista, Francesco,
Gerolamo e il donatore Sigismondo de’ Conti), conocida como Madona de Foligno
(en italiano Madonna di Foligno) es una pintura del artista renacentista
italiano Rafael Sanzio, que data de hacia 1512. Es una pintura al óleo sobre
tabla que fue transferida a lienzo, con unas dimensiones de 320 centímetros de
alto y 194 cm. de ancho. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana (Museos
Vaticanos), Ciudad del Vaticano. Constituye un hito de la pintura occidental
por su hábil composición y la diferenciación entre los planos celeste y
terrenal.
Historia
La pintura fue un
encargo de Sigismondo de' Conti, secretario del papa Julio II y prefecto de la
construcción de San Pedro, en los años 1511-1512. Se encargó para conmemorar un
milagro en el que la casa del donante, en Foligno, fue alcanzada por un rayo o,
de acuerdo con otra versión, por un proyectil durante el sitio de Foligno,
aunque no resultó dañada.
El cuadro se colocó
en la iglesia de Santa Maria in Aracoeli en Roma, donde Sigismondo fue
enterrado. En 1565 fue trasladado al monasterio de Santa Ana en Foligno (de
donde le viene el nombre) por deseo de Anna Conti, una sobrina de Sigismondo
que era monja. Hacia 1688 la composición fue reproducida al aguafuerte por el
artista y erudito valenciano Vicente Victoria; alguna fuente afirma que éste
fue el primer grabado producido de ella.
Esta obra fue tomada
como botín por el ejército napoleónico y llevada a París en 1797 o 1799; allí,
en 1801 se transportó de tabla a tela. Fue devuelta en 1815 al monasterio de
Foligno, y entró a formar parte de la Pinacoteca Vaticana.
Análisis
La investigación
pictórica de Rafael había sido enriquecida por sus soluciones en relación con
el uso de la luz en la Expulsión de Heliodoro del Templo y la Liberación de San
Pedro. Estos recursos pictóricos reaparecieron en la Madona de Foligno, donde traslada
los principios de una perfecta interpenetración entre el formato y la
composición interior. La Virgen y el Niño Jesús, sostenidos por una nube de
ángeles y enmarcados por un disco naranja, dominan el grupo de santos por
debajo de ellos, entre los cuales se encuentra el donante arrodillado. Esta
zona celestial aparece distanciada de la que aparece debajo por una mayor
modulación cromática y luminosidad.
Este grupo de la
zona inferior o terrestre incluye, de izquierda a derecha, san Juan el
Bautista, san Francisco, Sigismondo de' Conti y san Jerónimo. Un pequeño ángel
en el centro de la composición sostiene una pequeña placa que originalmente se
pretendía que llevase una inscripción dedicatoria. Estas figuras adoptan la
forma de semicírculo, completando así, con el de la zona superior, un círculo.
La forma circular se repite en la aureola de la Virgen y el arco iris que
aparece en el paisaje.
La atmósfera
tormentosa del paisaje en el fondo, y el destello del relámpago (o explosión)
que golpea el Palacio Chigi (visible a la izquierda) ilustra la leyenda a la
que pretendía aludir. La fuerte caracterización de las figuras, la plenitud
volumétrica de los putti y el refinado claroscuro distingue a esta tabla como
una obra del artista en su madurez.
Una copia de esta
obra se conserva en la catedral de Foligno. Se atribuye al pintor Giulio
Romano, después de restaurada. La restauración fue encargado gracias a la
intervención del Capítulo de la Catedral en el año 1827, para cubrir el hueco
de inmenso valor que el cuadro dejó cuando fue llevado a la Pinacoteca
Vaticana.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1511–1512
Período: Alto
Renacimiento
Género: Arte
cristiano
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
RETABLO ODDI
Pintura
El Retablo Oddi (en
italiano, Pala Oddi) es una es una pintura del artista del Alto Renacimiento
italiano Rafael Sanzio, que data de 1502-1504. La obra es conocida también como
la Coronación de la Virgen (Incoronazione della Vergine), que es su tema principal.
Es un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 267 centímetros de alto y 163
cm de ancho.1 Se conserva en la Pinacoteca Vaticana, dentro de los Museos
Vaticanos de la Ciudad del Vaticano.
Historia
El cuadro fue un
encargo de Leandra Baglioni para su propia capilla funeraria en la iglesia de
San Francesco al Prato en Perugia, estuvo en esa iglesia hasta el año 1797
cuando fue requisado por los franceses y llevado a París donde se transportó de
la tabla a la tela. En el año 1815 fue devuelto a Italia y entró a formar parte
de la Pinacoteca Vaticana por orden del papa Pío VII (1800-1823).2
Descripción y análisis
La Coronación de la
Virgen muestra una división en dos partes: la sección superior muestra a la
Virgen siendo coronada por Jesucristo, mientras que a su alrededor tocan los
ángeles músicos; la sección inferior muestra al público, un sarcófago con
flores rojas y blancas que suplantan al cuerpo de la Virgen. En torno a la
tumba están los apóstoles, mirando hacia arriba con devoción. Entre ellos se
distingue, en el centro, la figura de Tomás, que tiene en sus manos el cinturón
rojo de la Virgen que ésta le ha dejado como regalo. Según el texto apócrifo El
tránsito de María (narraciones del Seudo-José de Arimatea), atribuido a José de
Arimatea, pero que se conserva en una versión latina medieval de una obra
griega del siglo IV, Tomás fue el único testigo de la Asunción de María al
cielo. Los otros apóstoles fueron milagrosamente transportados a Jerusalén para
presenciar su muerte. Tomás quedó en la India, pero después del entierro de la
Virgen, fue transportado a la tumba de María, donde fue testigo de su asunción
en cuerpo y alma al cielo, desde el que la Virgen dejó caer su cinturón. En una
historia inversa a la de las dudas de Tomás, los otros apóstoles se muestran
escépticos sobre la historia que éste les cuenta hasta que ven el sepulcro
vacío y el cinturón.3 La Leyenda Dorada da otra versión de los hechos: son el
resto de los apóstoles quienes ven el tránsito de María y Tomás quien, por
estar en la India, no ve el hecho, de manera que son los otros los que deben
mostrarle el cinturón como prueba de lo que han presenciado. Tomás recibiendo
el cinturón en una imagen representada habitualmente en el arte de la Edad
Media, y así puede verse en la escultura gótica española, como el tímpano de la
Catedral de Vitoria) y en la pintura renacentista pre-tridentina.4
Los dos planos, el
celestial y el terrenal, quedan separados por una fina línea de nubes blancas.
La tabla, según
estudios radiográficos y reflectográficos, se debió realizar en dos fases. En
la primera entre finales de 1502 y principios de 1503 se ejecutó la mitad
superior, a la que corresponde la Coronación propiamente dicha. Esta zona
superior muestra a las figuras con un aspecto más convencional y cercano a la
manera de Pietro Perugino.
En 1504 se llevaría
a cabo la reunión de los apóstoles en torno al sarcófago abierto y florecido.
Los apóstoles de la mitad terrenal adoptan un mayor dinamismo y variedad
gestual que parte de la crítica atribuye a la influencia de Masaccio tras un
viaje de Rafael a Florencia en el que pudo visitar la capilla Brancacci en la
iglesia de Santa María del Carmen.
Ficha
Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Ubicación: Museos
Vaticanos
Fecha de creación:
1502–1503
Técnica: Pintura al
aceite
Período: Alto
Renacimiento
VIRGEN LORETO
Pintura
Esta Virgen de
Loreto, también conocida como Virgen del Velo, es una pintura del artista
renacentista italiano Rafael Sanzio acabada en torno a 1509-1510.
Esta Virgen de
Loreto, también conocida como Virgen del Velo (Madonna del velo), es una
pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio acabada en torno a
1509-1510. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 120
centímetros de alto y 90 cm. de ancho. Se conserva en el Museo Condé de
Chantilly (Oise), Francia.
La pintura fue
regalada a la iglesia de Santa Maria del Popolo en Roma por el papa Julio II.
La pintura, que ha sido objeto de marcados repintados, fue atribuida a
Gianfrancesco Penni hasta 1979, cuando fue identificada sin lugar a dudas como
obra de Rafael. Es una de las obras de Rafael más copiadas, ascendiendo el
número de copias conocidas a 120 ejemplares. Su nombre deriva de una de las
copias, hoy perdidas, que se encontraba en la Basílica Santa Casa di Loreto en
Roma. Esta copia se pensó durante largo tiempo que era una pintura original
autógrafa de Rafael.
Ficha Técnica
Artista: Rafael
Sanzio
Fecha de creación:
1509
Técnica: Pintura
Género: Arte
cristiano
Tema: María, Niño
Jesús, Madonna
Períodos:
Renacimiento italiano, Alto Renacimiento, Renacimiento
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